Sistema de graves stradella de acordeão

Sistema de graves stradella de acordeão
Bem-vindo ao "acordeão smorgasbord". Aqui você encontrará algumas informações úteis relacionadas ao acordeão. Você pode, por exemplo, baixar um gráfico de combinação de acorde gratuitamente!
Se o seu computador não pode abrir os documentos em PDF apresentados, instale o Adobe Acrobat Reader da Adobe (software livre).
O acordeão alternativo de Nydana:
Luva de acordeão de Nydana:
Uma alternativa à notação tradicional - perfeita para o acordeão com botão cromático:
Tipos de acordeão.
Existem muitos tipos de acordeões. Os mais comuns são os acordeões para piano e os acordeões de botões cromáticos. Os acordeões de botão cromático vêm principalmente em duas versões diferentes: sistema B e sistema C. Há também o menos conhecido acordeão de Kravtsov; e o atual acordeão Uniform (ou Reuther) atualmente usado.
O baixo mais comum é o baixo Stradella padrão com seus acordes pré-definidos. Os acordeões tradicionais franceses, belgas e russos podem diferir em seus respectivos acordos Stradella. Há também algo chamado free-bass, no qual não há acordes predefinidos.
Abreviaturas que serão usadas aqui:
Gráfico combinado de acordes de Nydana.
Este documento mostra o layout Stradella e como combinar os botões de acordes para produzir vários tipos de acordes. Um artigo interessante de Stephen Keen, encontrado no site de acordeão de Hans Palm, foi a fonte de inspiração para este gráfico de combinação de acordes. A combinação da corda da mão esquerda pode ser útil quando você quer deixar sua mão direita livre para executar linhas melódicas rápidas enquanto fornece todos os tipos de acordes com sua mão esquerda. Os acordes que você obtém com essas combinações são corretos a partir de um ponto de teoria da música, mas a voz de cada acorde - ou seja, na qual a ponta de cada nota é colocada - é predeterminada no seu acordeão uma vez que um interruptor de registro específico foi selecionado.
Deve lembrar-se que, em muitos casos, pode ser melhor tocar acordes simples com sua mão esquerda e adicionar notas na mão direita para realizar a harmonia desejada - desta forma você tem mais controle sobre a voz dos acordes. Por exemplo, um acorde Cmaj7 é formado se você combinar um acorde C simples da mão esquerda com a maior sétima (B) na sua mão direita. Se você quiser jogar C13, você pode jogar C7 com sua mão esquerda e Dm com a mão direita. Você pode jogar C7 + jogando C7 na sua mão esquerda, ao preencher o +5 (G #) na sua mão direita. Isso é possível porque o quinto falta no botão de acordão C7 da esquerda. Da mesma forma, você pode preencher um -5 (Gb) na sua mão direita e obter um C7-. Os acordes C7 + e C7- geralmente funcionam como um substituto para C + e C-, respectivamente. Para um bom substituto Csus4, tente C11, C7sus2 ou C9sus4.
Os acordes produzidos pelos botões de acordes são geralmente constituídos por notas retiradas de uma faixa de duas octavas. Isso torna um pouco irrelevante falar de inversões de cordas particulares - ou a voz que conduz entre acordes. Se um botão de acordes C principal estiver tocando as seguintes notas: GCEGCE, então você realmente tem todas as três inversões escondidas lá: CEG, GCE e EGC.
Você não pode comprometer as notas em um acorde pré-definido individualmente. No entanto, se seu baixo de acordeão possui um registro alto onde os botões fundamentais e contrabassos soam apenas as mesmas juntas que os botões de acordes usam, então vários acordes podem ser formados usando apenas os botões de baixo. Uma melodia pode então ser jogada sobre estes acordes, na sua mão direita. Se você tiver um CBA (e mãos suficientemente grandes), você pode até mesmo gerenciar notas de melodia e de baixo com sua mão direita. Assim, é possível tocar um Csus4 pressionando os botões graves F e G, enquanto joga um C (e possivelmente uma linha de melodia) na mão direita.
No caso em que os botões de graves apenas estão tocando as mesmas juntas que os botões de acordes, então algumas combinações de acordes adicionais (não mencionadas no gráfico) são realmente possíveis. Por exemplo, se você combinar o botão de acordes C principal com os botões de graves para D e A, você obtém as notas correspondentes a C6 [9].
O diagrama superior no gráfico mostra o layout completo de Stradella. Depois, há também um diagrama que mostra apenas os botões de baixo e suas relações interválicas. Por exemplo, para jogar o equivalente a uma escala maior nos botões de graves, use a seguinte sequência: 1 2 3 4 5 6 M7 1 (intervalos 1, 4 e 5 são intervalos perfeitos, 2, 3 e 6 são intervalos principais).
Em relação ao quadro de combinação de acordes PDF abaixo: imprima as duas páginas em cada face de uma única folha de papel (se sua impressora o permitir), ou imprima em duas folhas separadas e coloque-as de volta para trás em uma capa de plástico transparente para fácil consulta sempre que Você toca o acordeão.
Aqui está um layout de Stradella ampliado:
Acordeão de piano versus acordeão de botão cromático.
Este documento procura comparar, de forma objetiva, os prós e os contras do sistema respectivo. Ele também permite que você dê pontos para qualquer um dos sistemas, a fim de descobrir qual é o melhor para suas necessidades.
CBA-C vs. CBA-B.
Caso tenha decidido começar a tocar o acordeão de botão cromático (CBA), pode ser difícil escolher entre sistema C e sistema B (também pode ser referido como C-griff e B-griff, ou C-grip e B-grip). O sistema C é usado, por exemplo, na França, na Itália e na Suécia, e às vezes é chamado de "sistema internacional". Na Finlândia, eles também tocam o sistema C, mas as linhas foram deslocadas para que a nota E seja encontrada na primeira fila. O sistema B é usado, por exemplo, na Rússia e na Noruega.
O sistema C está fortemente associado à musette francesa, enquanto o sistema B é preferido para a música balcânica.
Ao comparar esses dois sistemas, também pode ser interessante considerar os sistemas de baixo-baixo associados a cada tipo.
Recursos do sistema C.
O sistema C parece um pouco mais como um acordeão para piano quando você joga. As diagonais, ao longo das quais os dedos se alinham naturalmente, apresentam segundos importantes. Isso faz com que a música diatônica seja bastante confortável para jogar. Normalmente, você pode colocar todos os dedos disponíveis nos botões que devem ser reproduzidos e assim obter um "legato flow" muito bom - como o acordeão para piano - desde que você saiba como empregar as linhas duplicadas de forma eficiente.
Um ornamento musical muito comum é o chamado turno. Poderia, por exemplo, parecer assim: C - & gt; D - & gt; C - & gt; B - & gt; C. Este padrão particular é muito confortável no sistema C.
As formas básicas para acordes menores e maiores são confortáveis, especialmente ao adicionar a raiz (nota mais baixa) no topo da corda, como C_Eb_G_C, desde que as linhas duplicadas sejam empregadas às vezes.
O sistema C geralmente é adequado para música melodica / diatônica e harmonia. A escala principal C diatônica, por exemplo, tem etapas principalmente inteiras, e apenas duas meias etapas entre E e F, e B e C, respectivamente. Uma escala como essa terá um bom fluxo ao longo dos botões ao usar as cinco linhas.
As linhas duplicadas são confortavelmente colocadas e, portanto, muito conveniente para interruptores de dedo fáceis na reprodução de legatos, sem ter que atravessar o dedo indicador no polegar, por exemplo.
O polegar se move muito naturalmente em passos cromáticos ao longo das diagonais. O polegar talvez seja mais provável que seja empregado do que no sistema B.
Recursos do sistema B.
As diagonais dos botões que estão alinhadas com os dedos estão dispostas cromáticamente, e isso pode ser útil para aqueles que gostam de tocar música balcânica; ou, para música tecnicamente desafiadora que contém muitas passagens cromáticas.
O sistema B torna mais fácil ficar com três linhas (veja D_F # _A_D nas primeiras três linhas de um CBA-C). O sistema B também é conveniente no caso de você não querer usar o seu polegar.
Alcançar a próxima nota mais alta a meio passo, especialmente com o dedo mindinho, é talvez um pouco mais conveniente do que no sistema C (onde você rapidamente se afasta mais).
O sistema B permite o deslizamento de um semitom (uma técnica usada com freqüência em rock e blues) da mesma maneira que você faz no piano (e além disso, você não está limitado a deslizar apenas dos botões que correspondem ao piano chaves pretas).
Há, no entanto, outras técnicas para alcançar o mesmo em um CBA-C que pode ser tão eficaz. Um típico órgão de Hammond ou um blues de blues de piano às vezes requer o deslizamento simultâneo de duas notas, tanto um semitom para cima. Por exemplo, para passar de C_Eb_F # para C_E_G no CBA-C, tente colocar o polegar, dedo anelar e dedo mínimo em C_Eb_F #, respectivamente. Mantenha o polegar na mesma posição, mas deslize todos os outros dedos para baixo, de modo que o dedo indicador e o dedo médio atinjam em E e G, respectivamente. Esta técnica pode ser realizada em qualquer chave. Por sinal, a mudança de acordes em questão também pode ser feita no baixo Stradella.
De um modo geral, o CBA-B pode fazer slides simples dois semitons para baixo ou um semitone para cima. Por outro lado, o CBA-C pode facilmente deslizar dois semitons para cima ou um semitono para baixo. Deslocar um semitom pode também ser usado de forma bastante extensiva.
As linhas duplicadas às vezes exigem que você cruze seu dedo indicador sobre o polegar, da mesma forma que você faz no piano, para jogar algumas notas legato. Neste caso particular, a mão é movida mais para cima do que no sistema C, uma vez que os botões duplicados estão posicionados um pouco mais alto ao longo da linha do botão.
Outra conseqüência de como os botões duplicados estão posicionados, é que a mesma nota repetidamente, alternando entre um botão e sua duplicata, parece mais fácil e confortável no sistema B; embora seja preciso lembrar que esta técnica não pode ser usada na terceira linha de um CBA de cinco linhas, simplesmente porque a terceira linha não possui nenhuma linha duplicada. Em geral, no entanto, as técnicas mais comumente usadas, que envolvem dedos alternados, normalmente seriam usadas.
Free Bass Systems Comparados.
Por quê free bass? Free-bass dá ao acordeão um som diferente - um som que é adequado para todos os tipos de música, mas funciona particularmente bem com o clássico, o jazz e o pop. Free-bass permite-lhe reproduzir partituras escritas para piano. Você pode tocar melodias na mão esquerda que se estendem por várias oitavas. Os acordes podem ser reproduzidos em diferentes inversões.
O baixo livre às vezes também é chamado de melodia, porque você pode tocar uma melodia no baixo sem experimentar as quebras de oitava, às vezes você consegue um baixo de Stradella (embora seja preciso lembrar que geralmente há oitavas múltiplas que tocam quando você toca um baixo Stradella, o que tem O efeito de fazer essas pausas de oitava menos aparente).
A maioria dos acordeões que possuem baixo livre são os chamados acordeões convertidos, o que significa que você pode alternar, com a ajuda de interruptores de registro, entre o layout Stradella usual e um layout de baixo livre.
É difícil jogar free-bass? Não precisa ser mais difícil de jogar do que a Stradella; mas para obter um som mais completo, tanto a mão esquerda como a mão direita precisam ser muito ativas. Ser capaz de ler partituras é desejável, mas você também pode aprender a improvisar partes de baixo de símbolos de acorde se você não gosta de ler o clef baixo.
Saltos longos em sua mão esquerda muitas vezes podem ser evitados (a menos que você queira imitar uma Stradella jogando um acompanhamento de stride). Além disso, as passagens cromáticas, em um baixo livre cromático, também são muito fáceis.
Existem vários sistemas de free-bass diferentes em uso (apenas os mais comuns são mencionados aqui). Você tem layouts cromáticos que são semelhantes ao lado direito de um acordeão com botão cromático. Esses layouts tornaram-se mais ou menos a norma e são relativamente fáceis de aprender e de jogar. Vamos chamar esses FB-C, FB-S, FB-N e FB-R, respectivamente (onde FB significa Free Bass). Então, também temos o Quint Free Bass, que podemos chamar de FB-Q. É apresentado em quintos em vez de ter notas cromáticas.
Aqui estão alguns dos recursos que os sistemas de free-bass cromáticos têm em comum:
Não é necessário acompanhar as rupturas de oitava (ver FB-Q) Bom para as progressões da corda da mão esquerda Possivelmente pode ter um alcance de quase cinco oitavas sem trocas de registros.
O FB-C é o free-bass cromático mais utilizado. Você encontra isso em CBA-C e PA (exceto na Rússia, onde um PA normalmente terá FB-B). É uma versão espelhada do lado direito de um CBA-C. O FB-S é basicamente um FB-C que é deslocado um passo mais perto do fole. As notas baixas estão mais próximas do queixo. O FB-C possui os seguintes recursos:
Passes cromáticas fáceis e confortáveis ​​Seus dedos mais fortes funcionam com as notas baixas do baixo, e as notas mais altas são adicionadas ocasionalmente com seus dedos menos fortes, como o dedo mindinho. As notas de baixo consomem mais ar e, se você segurar sua mão mais alto no instrumento, você pode produzir mais facilmente um fluxo maior de ar e ter um melhor controle de fole Quando você lê música, a mão esquerda e a mão direita se movem para baixo quando os símbolos de nota se movem para cima Os acordes geralmente são confortáveis.
FB-N às vezes é usado com CBA-B (principalmente na Noruega) e é uma versão espelhada do layout à direita. Possui os seguintes recursos:
Seus dedos mais fortes funcionam com as notas baixas e as notas mais altas são adicionadas de vez em quando com seus dedos menos fortes, como o dedo mindinho. As notas de baixo consomem mais ar e, se você segurar a mão mais alto no instrumento, você pode produzir mais facilmente maior fluxo de ar e melhor controle de fole Quando você lê música, a mão esquerda e a mão direita se movem para baixo quando os símbolos de nota se movem para cima Bom para usar apenas três linhas (menos necessidade de usar qualquer linha duplicada)
FB-R (R para Invertido ou Russo) é o baixo livre cromático que tem as notas de som mais baixas mais próximas do chão. O alcance disponível pode influenciar a elevação do instrumento em que a mão normalmente é mantida. As notas mais baixas podem ser um pouco mais difíceis de controlar porque os botões estão no fundo, e eles serão operados pelos dedos menos fortes. É mais difícil chegar a intervalos como os 10s. O FB-R possui os seguintes recursos:
Ter algumas notas baixas perto do chão é que algumas pessoas se sentiram mais naturais, especialmente se você tocou piano. Os acordes consomem mais ar do que notas solteiras, então, para isso, pode ser bom levá-las mais para o instrumento, para um melhor fole controle Seus dedos mais fortes podem ser usados ​​para corridas enquanto o dedo mindinho toca uma nota de baixo. Passagens cromáticas fáceis e confortáveis. Bom para usar apenas três linhas (menos necessidade de usar qualquer linha duplicada)
FB-Q (Quint) tem as linhas Stradella e contrabassos duplicadas duas vezes, com oitavas cada vez mais altas em direção à faixa de baixo. Possui uma faixa máxima de quase três oitavas sem registros de comutação. Possui os seguintes recursos:
Fácil de adaptar se você já joga Stradella Você pode alcançar notas que estão distantes umas das outras (em termos de pitch) dentro do mesmo sistema uniforme.
Ao tocar um baixo livre cromático, a mão pode sentir um pouco apertado se não estiver corretamente posicionada. Se isso acontecer, coloque os dedos nos botões que você está prestes a jogar, deslize a palma da mão o mais longe possível. Deve sentir como se você esticasse um pouco para alcançar os botões mais adiante no painel de botões. Sempre preste muita atenção para onde a palma é colocada de modo que a mão possa ser relaxada. Para poder sempre colocar a palma na posição perfeita, é recomendável usar uma luva de baixa fricção.
Convertor Bass.
Um acordeão conversor tem um Stradella e um arranjo de baixo livre. Alguns dos interruptores de registro em um acordeão conversor envolverão os vários modos de baixo livre. O documento abaixo mostra um layout típico de baixo para conversores com um free-bass cromático do sistema C (que é mais ou menos o sistema padrão em acordeões CBA-C e piano). Note, no entanto, que a maneira como as linhas de baixo de Stradella e as linhas dispostas cromáticamente estão posicionadas uma em relação à outra, podem variar entre diferentes acordeões. Embora o conversor de graves seja extremamente versátil, é preciso ter em mente que um acordeão comum, que possui apenas um baixo Stradella, pode ser otimizado para o som Stradella.
Organizando Switches de Registro.
A ordem em que as chaves de registro se alinham em ambos os lados do acordeão talvez siga um padrão comum. Aqui está uma proposta que estará em linha com o que você vê em muitos acordeões já:
Coloque o interruptor de som mais escuro na posição superior (mais próximo do queixo), em ambos os lados do acordeão. Deixe os outros interruptores seguirem sucessivamente, do escuro ao brilhante, para o chão. A suposição feita aqui é que a escuridão relativa ou brilho é percebida como a média das juncos individuais.
Para o lado dos graves em um acordeão conversor, qualquer interruptor exclusivamente dedicado ao baixo livre deve aparecer mais próximo do queixo e depois o resto dos interruptores.
Observe que nem sempre é viável ter todos os interruptores concebíveis disponíveis em um acordeão, pois exigiria muitos interruptores de registro. Além disso, as sugestões abaixo não levam em consideração o uso de chaves de registro duplicadas.
L = Baixo, M = Médio, H = Alto.
LMH & rArr; L, LM, LH, LMH, M, MH, H.
Escolhendo o tipo certo de acordeão.
Olá, sou Dan Lindgren, o editor deste site. Talvez você tenha procurado este site porque queria saber mais sobre vários tipos de acordeão e seus layouts de teclado? Caso ainda não se tenha decidido sobre o que escolher, permita-me contar-lhe sobre as minhas próprias experiências.
Comecei com acordeões para piano, já que eu já tinha alguma experiência tocando piano. Então eu comprei um CBA-C barato e tentei por um tempo. Várias fontes credíveis na internet (e na vida real) apontaram para as vantagens da CBA-B, então consegui me apoderar de uma dessas, apenas para poder comparar.
No começo, sentia-se estranho de migrar para botões, e havia momentos em que me senti tão frustrado que queria desistir do CBA. Mas lentamente começou a ter sentido. Concentrei-me principalmente na CBA-B por alguns anos e funcionou relativamente bem.
Então eu peguei CBA-C novamente para ver como isso se sentiria, agora que eu tinha mais experiência com botões. Durante esta transição, eu estava completamente perplexo e me achei incapaz de tocar qualquer tipo de C ou B por algum tempo! Para me ajudar, imaginei a linha C # como uma espécie de "pivô" e conclui que as outras duas linhas (contendo C e D, respectivamente) simplesmente mudam de lugar entre si quando você muda de CBA-B para CBA-C, ou vice-versa.
Depois de ter tentado o CBA-C por um período prolongado, decidi que este era o tipo de acordeão que mais gostava - e ainda é o que eu uso hoje.
Para o lado dos baixos, eu queria algo além do baixo Stradella habitual, no entanto. Experimentei baixo livre cromático e notei que era possível fazer coisas que a Stradella não conseguia gerenciar. A Stradella, por sua vez, poderia fazer coisas que o free bass não podia (acho que é por isso que temos acordeões conversores).
Por um grande número de anos, examinei diversos layouts de graves que outros haviam inventado, e também criei vários layouts alternativos. Agora estou convencido de que os novos layouts de graves que eu apresento neste site são uma mistura muito boa das melhores qualidades da Stradella e do baixo livre.
Então, o que o acordeão ideal parece, para mim? Prefiro um acordeão pequeno que não pesa mais de 7 Kg (15 lbs). Aqui está uma lista de outros detalhes sobre o meu acordeão preferido:
5-row CBA-C com D (!) Na primeira linha RH, e com meu próprio design de baixo. Os botões de RH C e F podem ter marcas táteis, mas apenas na segunda e quarta linhas. Apenas duas vozes do lado direito (fagote e clarinete), com três interruptores de registro comuns (sem interruptor de palmeira principal). Rango de RH: pelo menos 44 notas (de D para A) e sem botões fofos.
Felizmente, quase já tenho esse tipo de acordeão, já que tenho um acordeão modificado (e muito barato) que em grande parte difere das minhas especificações, na medida em que possui um layout RH normal do sistema C, dois registradores de graves e 96 botões LH.
Se você se pergunta por que eu gostaria de ter D na primeira fila, aqui estão os motivos:
Se as três linhas no meio forem as linhas primárias, algumas notas serão mais fáceis de alcançar com o polegar ou o dedo mínimo na primeira fila. O cotovelo será levemente abaixado ao jogar as três linhas primárias no meio. O layout de RH agora se torna uma combinação perfeita com os vários layouts de LH a que me refiro no topo desta página (clique no link Accordion Bass Project).

Registros do teclado Stradella padrão.
Revista Accord, EUA. Cortesia reproduzida pelo proprietário / editor Faithe Deffner. Cópias posteriores disponíveis.
O teclado do botão stradella padrão, sozinho ou como parte integrante das sistematizações expandidas que incorporam baixo livre também, demonstra uma viabilidade estilística que se reflete em abordagens muito diferentes da composição musical para acordeão. Os compositores continuam a recorrer aos recursos do sistema stradella padrão, às vezes extraindo novas possibilidades ou realizando o potencial latente.
2. As inversões produzidas pelos botões de acordes fixos.
3. E as características dos vários registros.
Estes oferecem desafios que nem todos os compositores e transcritores conseguiram atender. Poucos reconheceram a potência musical completa lá, mas as adições ao repertório de substância muito interessante e ao sistema continuam a interessar tanto o artista como o compositor.
AS CHAVES DO BOTÃO.
OS INTERRUPTORES.
OS CONJUNTOS PADRÃO DE REEDS.
O REGISTRO SOPRANO.
O REGISTRO ALTO.
O REGISTO TENOR.
O SOFT TENOR REGISTER.
REGISTROS BAIXOS.
O REGISTRO MESTRE (FORTE BASS)
Aqui, como em outros lugares, a combinação destas duplicações de oitava superior com o conjunto de juncos fundamentais, que estabelece o tom, é tal que dificilmente é mais do que a amplificação da série básica de overtones.
O SOFT BASS REGISTER (BASS PIANO)
O REGISTRO BASS / ALTO.
O campo é facilmente reconhecível em todos os registros que não o Registro Mestre. O intervalo limitado de 12 semitons é audivelmente óbvio e, intervalos melódicos ou harmônicos escritos envolvendo tons além da bússola real de um registro soarão invertidos.

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Stradella-Bass Accordion: # 3b "The Shadow of Your Smile" Chords alternativos.
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Veja abaixo os acordes (e a digitação) para a música "A sombra do seu sorriso" (na chave de G), pois podem ser tocadas em um acordeão equipado com o sistema Stradella 120-Bass. Eu uso o sistema de dedilhado que foi desenvolvido pelo falecido jazz músico Clarence Edgar Roberts (1906-1983).
| F # m7 | B7 | Em7 | A7 | Am7 | D7 | GM9 | CM9 | F # m7o5 | B7 | Em / E Em / Eb |
| F # m7 | B7 | Em7 | A7 | Am7 | D7 | Dm7 | E7 | Am7 | Am7o5 Ao7 | G Bm7o5 |
| E7 | Am7 | Am7o5 D7 | G. |
escrito: | AM7 | Ao / F # | Em11 | A9 | Am11 | D9 | GM9 | CM9 | . . .

Sistema de graves Stradella.
O Stradella Bass System (às vezes chamado de baixo padrão) é um layout de painel equipado no lado baixo de muitos acordeões, que usa colunas de botões dispostas em um círculo de quintos; Isso coloca os principais acordes principais de uma chave (I, IV e V) em três colunas adjacentes. Em um layout típico, conforme ilustrado, cada coluna contém, em ordem:
Layout [editar]
O gráfico a seguir mostra um layout comum de 120 botões com Stradella.
Cada nota de baixo e cada passo em uma corda, geralmente soam simultaneamente em oitavas múltiplas. Os acordeões maiores oferecem algum controle sobre a voz com interruptores de registro. [1]
Em acordeões modernos, cada botão de acorde soa três graus individuais. Os acordeões precoce soaram quatro graus para os acordes sétimo e diminuído. [cita requerida] Os sistemas Stradella modernos omitem o 5º desses dois acordes, [1] permitindo maior versatilidade, por exemplo, um acorde aumentado de sétimo pode ser criado usando o botão de acorde dominante sétimo e adicionando um 5º aumentado da direita manual ou de um dos botões de contrabassa ou de baixo.
Na maioria dos layouts russos, a diminuição da sétima linha de acordes é movida por um botão [citação necessário], de modo que o sétimo acorde diminuído de C é onde o sétimo acorde de F diminuiu em um layout Stradella padrão; Isso é feito para alcançar uma melhor acessibilidade com o indicador.
Como os botões estão no rosto da frente e não podem ser vistos pelo jogador, um auxílio à navegação é fornecido por uma pequena depressão, buraco ou colisão no botão C central na linha da raiz, muitas vezes complementada por marcas táteis similares ou diferentes em outras Botões de raiz-baixo selecionados, como os botões A ♭ e E de quatro em qualquer direção. [2]
Notação [editar]
Ao nomear os botões de acordes, os acordes principais são frequentemente sufixados com "M", por exemplo "CM", para distingui-los das notas de graves.
Na notação de pessoal, as notas abaixo do centro da equipe do baixo-clef são notas de graves, e as notas acima do centro da equipe geralmente indicam botões de acordes, rotulados como necessários com "M", "m", "7" ou "d" "ou" dim ". (Os acordes repetidos geralmente são apenas rotulados na primeira instância.)
Dentro desta convenção, a octava escrita para notas de baixo é arbitrária, já que o sistema Stradella não possui botões para octavas superiores e inferiores.
Como soou, com uma possível voz de oitava:
As notas de baixo a serem tocadas na terceira terceira terceira (contrabassa) são indicadas por linhas de "tenuto" reutilizadas abaixo das notas (como na nota de graves E no exemplo acima), ou nomes ou números de nota sublinhados.
As linhas de baixo de uma nota são freqüentemente rotuladas como "B. S." (baixo solo ou bassi soli), especialmente quando se estendem acima do meio da equipe.
Fingering [editar]
Tal como acontece com o piano, os dedos estão numerados 2 a 5, começando com o dedo indicador, espelhando o dedilhado direito, como regra, o polegar, numerado 1, não é usado.
Os padrões podem ser jogados de forma idêntica em qualquer tecla desejada, alterando apenas a posição inicial; Isso ocorre porque, ao contrário de um teclado de piano, o layout Stradella não faz distinção entre "notas brancas" e "notas pretas". Layouts com 16 ou mais colunas são suficientes para jogar em qualquer uma das 12 chaves do círculo de quintos.
Baixo e acordes [editar]
4-3 é uma digitação recomendada para uma nota de baixo e seu acorde maior correspondente (por exemplo, C-CM-C-CM), [3] para baixo alternativo com a raiz e o quinto, 4-3-2-3 pode ser usado para acordes principais (por exemplo, C-CM-G-CM), 4-2-3-2 para menores e outros tipos de acordes (por exemplo, C-C7-G-C7).
Escalas [editar]
Escalas, corridas e outras linhas de baixo são tocadas nos botões de notas de baixo, a linha ou as linhas mais próximas do fole (linha de raiz, linha de terceiros opcional, linha de terceiros menores opcional).
Escalas principais [editar]
A escala principal pode ser tocada sem alongar a mão, jogando em qualquer tecla como r4 r2 t 4 r5 / r3 t 5 t 3 r4 (r = linha da raiz, t = terceira fila) ou, com movimento mínimo do dedo indicador, r3 r2 t 3 r4 / r2 t 4 t 2 r3.
Escalas menores [editar]
Melódico menor (diferente ascendente e descendente):
Disparos de registro [editar]
Acordeões maiores e mais caros podem ter até sete interruptores de registro no lado do baixo, controlando quais reed classificam play e, assim, as oitavas e a voz das notas e acordes de graves, semelhante no conceito ao registro triplo, alternam no lado do teclado. [1] Acordeões menores ou mais simples podem não ter interruptores de baixo, ou um único interruptor que alterna entre duas configurações.
Com o registro soprano ou alto selecionado, os botões baixos duplicam exatamente as notas individuais dos acordes, sem as oitavas inferiores (tenor e baixo) adicionadas habitualmente.
Um acordeão com dois interruptores de registro no lado dos graves pode fornecer registros de som e mestre, enquanto acordeões com switches adicionais podem ter subconjuntos maiores. [5]
Configurações comuns [editar]
Veja também [editar]
Sistema de matriz, sistema do mesmo círculo de quintos para um sistema de baixo bass alternativo mbira.
Notas [editar]
^ a b c B é muitas vezes referido como "baixo A"; Os equivalentes de enharmonic reproduzem os mesmos juncos. ^ um b 140-acordeões de baixo pode vir com uma terceira linha extra menor, localizada acima da terceira linha principal regular e a nota de raiz, ou uma faixa de acordes de 7º aumento.
Referências [editar]
^ a b c d Balestrieri, Donald (1979). "Registros do teclado Stradella padrão". Accordions Worldwide. Retirado 24 de agosto de 2017. & # 160; ^ "Anatomia do acordeão". Western New York Accordion Club. Recuperado 19 de março de 2017. & # 160; ^ Zucco, Frank (1985). Método Deluxe Accordion de Mel Bay. Pacific, Mo.: Mel Bay Publications. ISBN & # 160; 978-0871667823. & # 160; ^ Dahl, Gary (2004). Livro de Escala de Acordeão Mestre de Mel Bay com Estudos de Escala de Jazz. Pacific, Mo.: Mel Bay Publications. ISBN & # 160; 978-078666708-6. & # 160; ^ "Anatomia do acordeão". Western New York Accordion Club. Veja o diagrama "Interruptores de reedição de graves". Retirado 30 de maio de 2018. & # 160;
1. Acordeão - Os acordeões são uma família de instrumentos musicais em forma de caixas do tipo aerofone de cana livre com foleiras, coloquialmente referido como um squeezebox. Uma pessoa que toca o acordeão é chamada de acordeonista, a concertina e o bandoneão estão relacionados, o harmônio e o órgão de junco americano estão na mesma família. O instrumento é jogado pela compressão ou expansão do fole enquanto pressiona botões ou teclas, fazendo com que os paletes se abram e estes vibrem para produzir som dentro do corpo. As válvulas em juntas opostas de cada nota são usadas para tornar os sons de instrumentos mais sólidos, sem vazamento de ar de cada bloco de junco. O performer normalmente reproduz a melodia em botões ou teclas no manual. O acordeão está amplamente difundido em todo o mundo, no entanto, na Europa e América do Norte, alguns atos de música popular também fazem uso do instrumento. Além disso, o acordeão é usado em cajun, zydeco, música de jazz. O acordeão para piano é o instrumento oficial da cidade de San Francisco, o nome mais antigo para este grupo de instrumentos é harmonika, dos harmonikos gregos, que significam harmônicos, musicais. Hoje, as versões nativas do acordeão são mais comuns. Estes nomes referem-se ao tipo de acordeão patenteado por Cyrill Demian, acordeões têm muitas configurações e tipos. Semelhante a um arco, a produção de som em um acordeão está em proporção direta ao movimento do jogador. O fole está localizado entre os manuais direito e esquerdo, e é feito de camadas plissadas de pano e papelão, com couro e metal adicionados. Ele é usado para pressionar e aspirar, dirigindo ar através dos juncos internos e produzindo som por sua vibração. Estas caixas abriram câmaras de junco para os manuais de mão direita e esquerda, cada lado tem grelhas para facilitar a transmissão de ar dentro e fora do instrumento, e para permitir que o som seja melhor projetado. A grelha para o manual é geralmente maior e muitas vezes é moldada para fins decorativos. O manual da direita é usado para tocar a melodia e o manual esquerdo para tocar o acompanhamento. O mecanismo manual do instrumento permite o fluxo de ar, ou o desativa, os diferentes tipos têm componentes variados. Todos os instrumentos têm fileiras de algum formato, o acordeão mais típico é o acordeão para piano, que é usado por vários gêneros musicais.
2. Botão (controle) - Um botão ou simplesmente um botão é um mecanismo de comutação simples para controlar algum aspecto de uma máquina ou um processo. Os botões são tipicamente fora do material duro, geralmente de plástico ou metal. A superfície é plana ou moldada para acomodar o dedo ou a mão humana. Os botões são mais frequentemente interruptores polarizados, embora muitos botões não desejados ainda exijam uma mola para retornar ao estado não empurrado, pessoas diferentes usam termos diferentes para pressionar o botão, como pressionar, pressionar, cortar, bater e puncionar . O botão foi utilizado em calculadoras, telefones com botões, aparelhos de cozinha, em aplicações industriais e comerciais, os botões de pressão podem ser conectados entre si por uma ligação mecânica, de modo que o ato de pressionar um botão faz com que o outro botão seja liberado. Desta forma, um botão pode forçar o lançamento de um botão de início. Este método de ligação é usado em operações manuais simples em que a máquina ou o processo não possui circuitos elétricos para controle, para evitar que o operador empurre o botão errado por erro, os botões de pressão geralmente são codificados por cores para associá-los à sua função. As cores comumente usadas são vermelhas para parar a máquina ou o processo, os botões de pressão vermelhos também podem ter cabeças grandes para facilitar a operação e facilitar a parada de uma máquina. Estes botões são chamados de botões de parada de emergência e para maior segurança são obrigatórios pelo código em muitas jurisdições. Esta forma grande de cogumelo também pode ser encontrada em botões para uso com operadores que precisam usar luvas para o trabalho e não podem atuar um botão de pressão embutido regular. Como um auxílio para operadores e utilizadores em aplicações industriais ou comerciais, normalmente esta luz está incluída no centro do botão e uma lente substitui o disco rígido do botão rígido. A fonte da energia para iluminar a luz não está diretamente ligada aos contatos na parte de trás do botão, na cultura popular, a frase que o botão se refere a um botão que um militar ou líder do governo poderia pressionar para lançar armas nucleares. Botão do retorno da mola por Sándor Kabai, o projeto das demonstrações de Wolfram.
3. Círculo de quintos - Na teoria da música, o círculo de quintos é a relação entre os 12 tons da escala cromática, suas assinaturas de teclas correspondentes e as chaves principais e menores associadas. Mais especificamente, é uma representação de relações entre as 12 classes de pitch da escala cromática no espaço da classe de pitch. O termo quinto define um intervalo ou relação matemática que é o intervalo de não-oitava mais próximo e mais consonante, o círculo de quintos é uma seqüência de tons ou tonalidades-chave, representada como um círculo, no qual o próximo passo é encontrado sete semitons superiores a o último. Músicos e compositores usam o círculo de quintos para entender e descrever os relacionamentos entre alguns selecionados. O design dos círculos é útil para compor e harmonizar melodias, construindo acordes, no topo do círculo, a chave de C Major não possui objetos afiados ou planos. Partindo do ápice e prosseguindo no sentido horário por quintos ascendentes, a chave de G tem um afiado, a chave de D tem 2 pontos afiados, e assim por diante. Da mesma forma, prosseguindo no sentido anti-horário a partir do ápice por quintos descendentes, a chave de F tem um plano, a chave de B ♭ tem 2 planos, na parte inferior do círculo, as teclas afiadas e planas se sobrepõem, mostrando pares de assinaturas de teclas equivalentes ao aprimoramento. A partir de qualquer passo, ascendendo pelo intervalo de um quinto temperado, um passa todos os doze tons no sentido horário. Para passar os doze tons no sentido anti-horário, é necessário ascender em quartos perfeitos, (Para a orelha, a seqüência dos quartos dá uma impressão de resolução ou resolução. Os lançamentos dentro da escala estão relacionados não apenas pelo número de semitmos entre eles dentro a escala cromática, mas também relacionada harmonicamente no círculo dos quintos. Movendo-se no sentido anti-horário, a direção do círculo de quintos dá o círculo dos quartos, geralmente o círculo dos quintos é usado na análise da música clássica, enquanto o círculo dos quartos é usado na análise da música de jazz, mas essa distinção não é exclusiva. O círculo é usado para representar a relação entre escalas diatônicas. Aqui, as letras no círculo são tomadas para representar a escala principal com essa nota como tônica, os números na Dentro do círculo, mostre quantos pontos afiados ou flats tenha a assinatura da chave para esta escala. Assim, uma grande escala construída em A tem 3 pontos altos na sua assinatura de chave, a maior escala construída em F tem 1 fla t. Para pequenas escalas, gire as letras no sentido anti-horário em 3, de modo que, um menor tenha 0 pontos afiados ou planos e E menor tenha 1 afiado. Ao notar as assinaturas das teclas, a ordem dos objetos cortantes que se encontra no início da linha segue o círculo de quintos de F a B. A ordem é F, C, G, D, A, E, B, se houver apenas um afiado, como na chave de G major, então o afiado é F sharp. Se houver dois objetos cortantes, os dois são F e C, e eles aparecem em ordem na assinatura da chave.
4. Terceiro maior - Na música clássica da cultura ocidental, um terceiro é um intervalo musical que engloba três cargos de equipe e o terço principal é um terceiro que abrange quatro semitons. Juntamente com o terceiro, o terceiro maior é um dos dois terços que ocorrem comumente. É qualificado como principal porque é o maior dos dois, o terceiro principal abrange quatro semitons, o terceiro terceiro. O terceiro maior pode ser derivado da série como o intervalo entre o quarto e o quinto harmônicos. A escala principal é assim chamada devido à presença desse intervalo entre seus graus de escala tônica e mediante, o acorde principal também leva seu nome da presença desse intervalo construído na raiz dos acordes. O conceito mais antigo de um fez um grande terceiro dissonantemente grande com a proporção 81,64. O maior terço do septimal é 9,7, o terceiro maior é 14,11. Uma maneira útil de reconhecer um terceiro é hum as duas primeiras notas de Kumbaya ou de When the Saints Go Marching In. Um terceiro maior descendente é ouvido nos começos de Goodnight, Ladies e Swing Low, em temperamento igual, três terços principais seguidos são iguais a uma oitava. Isso às vezes é chamado de círculo de terços, apenas em entonação, no entanto, três 5,4 terços principais são menores que uma oitava. Por exemplo, três 5,4 terços principais de C é B♯, a diferença entre este B♯ e C apenas ajustado, como aquele entre G♯ e A ♭, é chamado de diesis, cerca de 41 centavos. O terceiro principal é classificado como uma consonância imperfeita e é considerado um dos intervalos mais consoantes após o uníssono, a oitava, o quinto perfeito, um quarto diminuído é equivalente a um terço maior. Por exemplo, B-D♯ é um terceiro, mas se os mesmos lançamentos são soletrados B e E ♭. B-E ♭ ocorre na escala menor harmônica C, o terceiro maior é usado nas afinações de guitarra. Para o ajuste padrão, apenas o intervalo entre a 3ª e a 2ª cadeia é um terceiro, cada um dos intervalos entre os outros pares de cordas consecutivas é um quarto perfeito. Em uma adaptação alternativa, a afinação, cada um dos intervalos são terços principais. Decade, composto apenas o terceiro treino de orelha principal Lista de intervalos indicados Duplicando o cubo, 21/3 = 3√2.
5. Raiz (acorde) - Na teoria da música, o conceito de raiz é a idéia de que um acorde pode ser representado e nomeado por uma de suas notas. Está ligado ao pensamento harmônico - à idéia de que os agregados verticais das notas podem formar uma única unidade e é nesse sentido que se fala de uma corda C ou de uma corda no acorde C-a construído a partir de C e da qual a nota C é a raiz. Quando um acorde C é referido em música clássica ou música popular sem uma referência ao tipo de acorde, é assumida uma tríade C principal, que contém as notas C, E e G. A raiz não precisa ser a nota, a nota mais baixa do acorde, o conceito de raiz está ligado ao da inversão dos acordes. Neste conceito, os acordes podem ser invertidos enquanto ainda mantêm sua raiz, na teoria harmônica terciana, que está em uma teoria em que os acordes podem ser considerados pilhas de três intervalos, a raiz de um acorde é a nota sobre a qual os terços subsequentes estão empilhados. Por exemplo, a raiz de um tal como C Major é C. Independentemente de um acorde estar na posição ou em uma inversão. Sete acordes de quatro notas têm quatro posições possíveis, os cinco acordes de cinco notas conhecem cinco posições, etc., mas a posição de raiz sempre é a pilha de terceiros e a raiz é a nota mais baixa dessa pilha. Com tipos de acordes, como acordes com sextos ou acordes adicionais ao longo dos pontos do pedal, é possível realizar mais do que uma possível análise de cordas. Por exemplo, em uma música, as notas C, E, G, A, soaram como um acorde. Decidir qual nota é a raiz deste acorde pode ser determinado considerando o contexto, e sua baixa nota considerada como a raiz, ou como uma inversão do mesmo, segundo, quarto, sexto, etc. em que casos a nota superior é a raiz . Johannes Lippius, em sua Disputatio musica tertia e Synopsis musicae novae, é o primeiro a usar a tríade, ele também usa o termo raiz. Thomas Campion, New Way of Making Fowre Parts em Conterpoint, London, c1618, observa que os acordes estão em primeiras inversões, o baixo não é. uma verdadeira base. A verdadeira base de Campion é a raiz do acorde, o reconhecimento total da relação entre a tríade e suas inversões é geralmente creditado no Traité d'harmonie de Jean-Philippe Rameau. O conceito de raiz tem alguma base nas propriedades dos sons harmônicos. Quando duas anotações ou mais notas da série são tocadas ao mesmo tempo, as pessoas às vezes percebem a nota fundamental da série. Esta propriedade foi utilizada na construção para a produção de notas baixas por tons resultantes. A Harmonologia de Andreas Werckmeister descreve a tríade principal na posição da raiz e na primeira inversão em termos da série harmônica, mas essa descrição não pode ser estendida à tríade menor.
6. Corda maior - Na teoria da música, um acorde principal é um acorde que possui uma nota de raiz, um terceiro maior acima desta raiz e um quinto perfeito acima desta nota de raiz. Quando um acorde tem estas três notas sozinho, é chamado de tríade principal, na música clássica ocidental de 1600 a 1820 e no pop ocidental, música folk e rock, um acorde maior geralmente é jogado como uma tríade. A tríade principal, juntamente com a tríade, é um dos blocos de construção básicos da música tonal. É considerado consonante, estável ou não requer resolução, na música ocidental, um acorde menor, em comparação, soa mais escuro do que um acorde maior. As principais tríades com notas, como a sétima acorde principal, também são chamadas de acordes principais. Os séculos principais são usados ​​no jazz e, ocasionalmente, na música rock, no jazz, os acordes principais também podem ter outros tons de acorde, como os graus de nona e décima terceira escala. Um acorde menor difere de um acorde em ter um terceiro menor acima da raiz em vez de um terceiro maior. Um acorde menor também pode ser descrito como um terceiro com um terço maior no topo, em contraste com um acorde maior. Ambos contêm quintos, porque um terço maior e um terceiro menor é igual a um quinto perfeito, um acorde aumentado é como um acorde maior, mas com um quinto levantado. Um acorde C aumentado consiste nas notas C, E e G♯. Os acordes aumentados são usados ​​no jazz, jogar Um exemplo de um acorde maior é o acorde principal C, que consiste nas notas C, E e G. Na análise harmônica ou em uma folha, um acorde maioritário geralmente é notado C. Uma raiz O acorde principal da posição C contém C, E e G, uma primeira inversão. O acorde principal contém E como a nota mais baixa, seguida de um G e C acima do E. Uma segunda inversão, o acorde principal C contém G como a nota mais baixa, as notas adicionais acima da nota de baixo pode estar em qualquer ordem e a corda ainda mantém sua identidade de inversão. Por exemplo, um acorde principal C que passou da nota mais baixa para a mais alta, E, seguido de C e G acima do E, nesta tabela, os nomes das cordas estão na coluna mais à esquerda. Os acordes são dados na posição de raiz, para um determinado nome de acordes, as três colunas seguintes indicam as notas individuais que compõem este acorde. Assim, na primeira linha, o acorde é C major, a maioria dos pianos e pianos elétricos e teclados de sintetizadores são sintonizados com o mesmo temperamento. Em temperamento igual, cada semitono é a distância distanciada. Outro sistema de ajuste que é usado é apenas entonação, em apenas entonação, um acorde maior é sintonizado com a freqüência 4,5,6.
7. Corda menor - Na teoria da música, um acorde menor é um acorde com uma raiz, um terceiro menor e um quinto perfeito. Quando um acorde tem estas três notas sozinho, é chamado de tríade menor, algumas tríades menores com notas adicionais, como a menor sétima acorde, também podem ser chamadas de acordes menores. Por isso, ele pode ser representado pela notação de número inteiro, um acorde principal difere de um acorde menor em ter um terceiro maior acima da raiz em vez de um terceiro menor. Também pode ser descrito como um terceiro com um terceiro menor em cima, em contraste com um acorde menor. Ambos contêm quintos, porque um terço principal mais um terceiro menor é igual a um quinto, um acorde diminuído é um acorde menor com um quinto baixo. Jogue Um exemplo de um acorde é o acorde menor de C. O acorde menor, juntamente com o acorde, é um dos blocos de construção básicos da música tonal. Na música ocidental, um acorde, em comparação, soa mais escuro do que um acorde maior, mas ainda é considerado altamente consonante, estável. Uma particularidade única do acorde é que este é o único acorde de três notas nas quais as três notas têm um harmônico - com ou sem uma linha muito alta - em comum. Essa harmônica, comum às três notas, situa-se a 2 oitavas acima da nota do acorde. Este é o harmônico da raiz da corda, o quinto da nota do meio e o quarto da nota alta, no exemplo C, E ♭, G. Esta é a primeira ocorrência de uma tríade na série harmônica. Isso pode ser encontrado em iii, vi, ♭ vi, ♭ iii, em 12-TET, ou temperamento igual de doze tons, um acorde menor tem 3 semitons entre a raiz e o terceiro, 4 entre o terceiro eo quinto e 7 entre o raiz e quinta. É representado pela notação inteira 0,3,7, o quinto de 12 TET é apenas dois centavos mais estreito que o quinto perfeito, mas o terceiro menor de 12 TET é visivelmente mais estreito que o terceiro apenas menor. O menor terceiro 12-TET mais aproxima-se aproximadamente do terceiro menor 19-limite 16,19 Jogue com apenas 2 centavos de erro. Nos séculos XVI a XVIII, antes do 12-TET, o terceiro em temperamento foi de 310 cêntimos. Outras apenas pequenas afinações de acordes incluem a tríade supertônica em apenas entonação a tríade falsa menor, Play, 16,19,24 Play, 12,14,18 Play, mais afinações da corda menor também estão disponíveis em vários temperamentos iguais, além de 12- TET. Em vez de diretamente da série, Sorge derivou o acorde menor de unir duas grandes tríades, por exemplo, a tríade A menor é a confluência das tríades F e C principais.
8. Setimo acorde - Um sétimo acorde é uma corda consistindo de uma tríade mais uma nota formando um intervalo de um sétimo acima da raiz dos acordes. Quando não especificado de outra forma, um sétimo acorde geralmente significa um sétimo acorde dominante, no entanto, uma variedade de séculos podem ser adicionados a uma variedade de tríades, resultando em vários tipos diferentes de séculos. No seu uso mais antigo, o sétimo foi introduzido apenas como um tom de embutimento ou não, o sétimo desestabilizou a tríade e permitiu ao compositor enfatizar o movimento em uma determinada direção. Além disso, a aceitação do mesmo temperamento durante o século 19 reduziu a dissonância de algumas formas anteriores de séculos. Quando o tipo de tríade e o sétimo tipo são idênticos, o nome é encurtado, por exemplo, um sétimo principal / maior é geralmente referido como um sétimo maior. Esta regra não é válida para acordes aumentados, uma vez que o acorde não é comumente usado. Além disso, a metade diminui para diminuição / menor, e os principais significantes para maior / menor, quando o tipo não é especificado, a tríade é assumida como maior e a sétima é entendida como um sétimo menor. Para os símbolos usados ​​para os séculos, veja também Símbolos de música popular # Sete acordes, os acordes mais comuns são tercianos, construídos usando uma seqüência de terços principais e / ou terços menores. Como há 3 intervalos de terceiros em uma corda e cada um pode ser maior ou menor, existem no entanto 8 combinações possíveis. O aumento do sétimo acorde aumentado, definido por uma raiz, um terceiro, um quinto aumentado. O motivo é que o sétimo intervalo é equivalente a uma otava total e é, portanto, perfeitamente consoante com a raiz de acordes. Os sete cordões de uso comum são, os acordes séculos também podem ser construídos usando terços aumentados ou diminuídos e esses acordes não são tercianos e podem ser usados ​​em harmonia não terciana. Em apenas entonação, por exemplo, há o sétimo harmônico, um sétimo acorde dominante, ou o acorde sétimo-secundário maior é uma corda composta por uma raiz, um terceiro maior, um quinto perfeito e um sétimo menor. Pode ser visto como uma tríade importante com um sétimo menor adicional. É denotado usando símbolos de música popular, adicionando um sobrescrito 7 após a letra que designa a raiz de acordes, o sétimo dominante é encontrado quase sempre que a tríade dominante. O acorde pode ser representado pela notação inteira, de todos os séculos, talvez o mais importante seja o sétimo dominante. Foi o primeiro sétimo acorde a aparecer regularmente na música clássica, o nome vem do fato de que o sétimo plano ocorre naturalmente no acorde construído sobre a dominante de uma determinada escala diatônica importante. Tomemos, por exemplo, a escala principal C, a nota G é o grau dominante de C major - sua quinta nota.
9. Diminuição do sétimo acorde - O sétimo acorde diminuído é comumente usado na harmonia da música clássica ocidental e também no jazz e na música popular dos séculos XX e XX. Os compositores clássicos dos séculos XVIII e XIX aproveitaram imaginativamente os acordes dramáticos, um acorde diminuído da sétima é um acorde de quatro notas que compreende uma tríada diminuída mais o intervalo de uma sétima diminuída acima da raiz. Assim, é, ou amplamente, de qualquer escala, por exemplo, C diminuiu - sétimo seria. Ocorre como um sétimo acorde em harmônicos menores e pode ser representado pela notação inteira. Por isso também pode ser visto como quatro notas empilhadas em intervalos de um terceiro menor, o sétimo diminuído contém dois quinhentos diminuídos, que muitas vezes se resolvem para dentro. A forma mais comum do sétimo cordão é a rooteada no tom de liderança, por exemplo, na chave de C. Então, os outros constituintes são os graus de sexta parte, quarta e baixa e estas notas ocorrem naturalmente na escala menor harmônica . Mas este acorde aparece nas principais teclas, especialmente após o tempo de Bach. Como esses acordes não possuem um tom de liderança em relação aos acordes aos quais eles resolvem e, portanto, são referidos comumente como seqüências não dominantes de sétima diminuição ou tons tom comum diminuídos séculos. O acorde, não desempenha nenhum papel no jazz. A corda passante é amplamente utilizada na música brasileira, como choro, samba e bossa nova. O sétimo acorde diminuído normalmente possui uma função dominante, e isso é mostrado de forma mais direta quando a raiz de um sétimo acorde dominante é omitida, o terceiro, o quinto e o sétimo restantes daquela corda formam uma tríada diminuída, à qual um sétimo diminuído pode ser adicionado . A escala diminuída pode ser concebida como dois segundos acordes de intertravamento, que podem ser rearranjados na corda alfa, o subdominante afiado com sétima corda diminuída adicionada é outro uso comum da corda. Na chave de C, este é F♯dim7, que pode ser usado para um efeito marcantemente temível e também é um acorde comum na música de jazz e ragtime. Pode ser usado como um substituto dominante, a corda diminuída também pode resolver através da redução de duas das três vozes inferiores produzindo um sétimo acorde supertônico que pode levar a uma cadência dominante convencional. Os teóricos da música têm lutado ao longo dos séculos para explicar o significado, atualmente, duas abordagens são geralmente usadas. O método menos complexo trata o tom principal como a raiz da corda e os membros da corda como o terceiro, o quinto e o sétimo da corda. O outro método é analisar o acorde como um nono atual. Um acorde viio7 na chave menor ocorre naturalmente na escala menor e é equivalente ao acorde dominante 7 ♭ 9 sem a sua raiz.
10. Clef de baixo - A clef é um símbolo musical usado para indicar o tom das notas escritas. Placed on one of the lines at the beginning of the stave, it indicates the name and this line serves as a reference point by which the names of the notes on any other line or space of the stave may be determined. Only one clef that references a note in a rather than on a line has ever been used. There are three types of clef used in music notation, F, C, and G. Each type of clef assigns a different reference note to the line on which it is placed, once one of these clefs has been placed on one of the lines of the stave, the other lines and spaces can be read in relation to it. The use of three different clefs makes it possible to music for all instruments and voices, even though they may have very different tessituras. The use of different clefs for various instruments and voices allows each part to be written comfortably on the stave with a minimum of ledger lines, to facilitate writing for different tessituras, any of the clefs may theoretically be placed on any of the lines of the stave. The further down on the stave a clef is placed, the higher the tessitura it is for, conversely, the higher up the clef, since there are five lines on the stave, and three clefs, it might seem that there would be fifteen possible clefs. Six of these, however, are redundant clefs, each of these clefs has a different name based on the tessitura for which it is best suited. In modern music, only four clefs are used regularly, the treble clef, the bass clef, the alto clef, of these, the treble and bass clefs are by far the most common. Here follows a complete list of the clefs, along with a list of instruments, each clef is shown in its proper position on the stave, followed by its reference note. An obelisk after the name of a clef indicates that that clef is no longer in common use, where the G-clef is placed on the second line of the stave, it is called the treble clef. This is the most common used today, and the only G-clef still in use. For this reason, the terms G-clef and treble clef are often seen as synonymous, the treble clef was historically used to mark a treble, or pre-pubescent, voice part. Treble clef is the upper stave of the grand stave used for harp and it is also sometimes used, along with tenor clef, for the highest notes played by bass-clef instruments such as the cello, double bass, bassoon, and trombone. The viola also sometimes uses treble clef for very high notes, treble clef is used for the soprano, mezzo-soprano, alto, contralto and tenor voices. The tenor voice sounds an octave lower, and is written using an octave clef or double-treble clef. In the seventeenth and eighteenth centuries, a special clef was used for violin music, for this reason it is known as the French clef or French violin clef although it was more commonly used for flute music.
11. Octave – In music, an octave or perfect octave is the interval between one musical pitch and another with half or double its frequency. It is defined by ANSI as the unit of level when the base of the logarithm is two. The octave relationship is a phenomenon that has been referred to as the basic miracle of music. The most important musical scales are written using eight notes. For example, the C major scale is typically written C D E F G A B C, two notes separated by an octave have the same letter name and are of the same pitch class. Three commonly cited examples of melodies featuring the perfect octave as their opening interval are Singin in the Rain, Somewhere Over the Rainbow, the interval between the first and second harmonics of the harmonic series is an octave. The octave has occasionally referred to as a diapason. To emphasize that it is one of the intervals, the octave is designated P8. The octave above or below a note is sometimes abbreviated 8a or 8va, 8va bassa. For example, if one note has a frequency of 440 Hz, the note one octave above is at 880 Hz, the ratio of frequencies of two notes an octave apart is therefore 2,1. Further octaves of a note occur at 2n times the frequency of that note, such as 2,4,8,16, etc. and the reciprocal of that series. For example,55 Hz and 440 Hz are one and two away from 110 Hz because they are 1⁄2 and 4 times the frequency, respectively. After the unison, the octave is the simplest interval in music, the human ear tends to hear both notes as being essentially the same, due to closely related harmonics. Notes separated by a ring together, adding a pleasing sound to music. For this reason, notes an octave apart are given the note name in the Western system of music notation—the name of a note an octave above A is also A. The conceptualization of pitch as having two dimensions, pitch height and pitch class, inherently include octave circularity, thus all C♯s, or all 1s, in any octave are part of the same pitch class. Octave equivalency is a part of most advanced cultures, but is far from universal in primitive. The languages in which the oldest extant written documents on tuning are written, leon Crickmore recently proposed that The octave may not have been thought of as a unit in its own right, but rather by analogy like the first day of a new seven-day week.
12. Tenuto – Tenuto is a direction used in musical notation. The precise meaning of tenuto is contextual, it can either hold the note in question its full length. In other words, the mark may alter either the dynamic or the duration of a note. Either way, the marking indicates that a note should receive emphasis, the marks meaning may be affected when it appears in conjunction with other articulations. When it appears with a dot, it means non legato or detached. When it appears with an accent mark, because the accent indicates dynamics, Tenuto can be notated three ways, The word tenuto written above the passage to be played tenuto. Written above the note or passage to be played tenuto, a horizontal line, roughly the length of a notehead, placed immediately above or below the note to be played tenuto. Modern musical symbols David Fallows, Tenuto, grove Music Online ed. L. Macy.
13. Alternate bass – In music, alternate bass is a performance technique on many instruments where the bass alternates between two notes, most often the root and the fifth of a triad or chord. The perfect fifth is often, but not always, played below the root, the alternation between the root note and the fifth scale degree below it creates the characteristic sound of the alternate bass. On the guitar and bass guitar this is accomplished with the right hand alternating between two or more strings, often the two on the guitar. On the Stradella bass system commonly found on accordions, the left-hand bass-note buttons are arranged according to the circle of fifths, the bass button for the fifth is directly above the bass button for the root.
14. Major scale – The major scale or Ionian scale is one of the most commonly used musical scales, especially in Western music. It is one of the diatonic scales, like many musical scales it is made up of seven notes, the eighth duplicates the first at double its frequency so that it is called a higher octave of the same note. In Carnatic music, it is known as Dheerasankarabharanam, and in Hindustani classical music it is known as Bilaval, a major scale is a diatonic scale. The sequence of intervals between the notes of a scale is, whole, whole, half, whole, whole, whole, half where whole stands for a whole tone. A major scale may be seen as two tetrachords separated by a whole tone. Each tetrachord consists of two whole tones followed by a semitone, whole, whole, half, seven sharps or flats make major keys that may be more conveniently spelled with five flats or sharps. The term major scale is used in the names of some other scales whose first, third. The harmonic major scale has a minor sixth and it differs from the harmonic minor scale only by raising the third degree. The melodic major scale is the mode of the jazz minor scale. It is the Ionian scale with a sixth and minor seventh. The combined scale that goes as Ionian ascending and as melodic major descending is also called melodic major, the double harmonic major scale has a minor second and a minor sixth. It is the mode of the Hungarian minor scale. Ionian mode Major and minor Listen to and download harmonised Major scale piano MP3s The major scale for guitar in one position, with derivation.
15. Harmonic minor – This includes the natural minor, harmonic minor, and melodic minor scales. A minor scale differs from a scale in that the third degree in a major scale is a major third above the first degree. In other words, the degree in a major scale is one semitone higher than in a minor scale. The natural minor scale, also known as Aeolian scale, taken by itself, when a major scale and a natural minor scale have the same key signature, they are relative keys. A natural minor scale has the notes as its relative major scale. The functional fusion of minor, harmonic minor, and melodic minor scales. A harmonic minor scale differs from a minor scale in that the seventh note is raised one semitone both ascending and descending. Melodic minor scales raise both the sixth and seventh notes one semitone when ascending, and descends like the minor scale. In this case the scale is called A-minor, and this minor scale has no accidentals. A-minor is called the minor of C. Every major key has a minor, which starts on the sixth scale degree or step. For instance, the degree of F major is D. The relative natural minor of a major key always shares the notes, for example, F major consists of F, G, A, B♭, C, D, and E, while D natural minor consists of D, E, F, G, A, B♭. The natural minor scale can also be represented by the notation,12 ♭345 ♭6 ♭78 Each degree of the scale and their difference from the major scale is shown. Thus a number without a sharp or flat represents a major interval, a number with a flat represents a minor interval, and a number with a sharp represents an augmented interval. In this example, the mean, 1=unison, 2=major second, ♭3=minor third, 4=perfect fourth, 5=perfect fifth, ♭6=minor sixth, ♭7=minor seventh. In rock and popular examples of songs in Minor Keys include The Moody Blues Nights in White Satin, Blondies Call Me. The notes of the minor scale are the same as the natural minor except that the seventh degree is raised by one semitone.
16. Melodic minor – This includes the natural minor, harmonic minor, and melodic minor scales. A minor scale differs from a scale in that the third degree in a major scale is a major third above the first degree. In other words, the degree in a major scale is one semitone higher than in a minor scale. The natural minor scale, also known as Aeolian scale, taken by itself, when a major scale and a natural minor scale have the same key signature, they are relative keys. A natural minor scale has the notes as its relative major scale. The functional fusion of minor, harmonic minor, and melodic minor scales. A harmonic minor scale differs from a minor scale in that the seventh note is raised one semitone both ascending and descending. Melodic minor scales raise both the sixth and seventh notes one semitone when ascending, and descends like the minor scale. In this case the scale is called A-minor, and this minor scale has no accidentals. A-minor is called the minor of C. Every major key has a minor, which starts on the sixth scale degree or step. For instance, the degree of F major is D. The relative natural minor of a major key always shares the notes, for example, F major consists of F, G, A, B♭, C, D, and E, while D natural minor consists of D, E, F, G, A, B♭. The natural minor scale can also be represented by the notation,12 ♭345 ♭6 ♭78 Each degree of the scale and their difference from the major scale is shown. Thus a number without a sharp or flat represents a major interval, a number with a flat represents a minor interval, and a number with a sharp represents an augmented interval. In this example, the mean, 1=unison, 2=major second, ♭3=minor third, 4=perfect fourth, 5=perfect fifth, ♭6=minor sixth, ♭7=minor seventh. In rock and popular examples of songs in Minor Keys include The Moody Blues Nights in White Satin, Blondies Call Me. The notes of the minor scale are the same as the natural minor except that the seventh degree is raised by one semitone.
17. Accordion reed ranks and switches – A reed rank inside accordions refers to a single full set of the reeds that are the means to achieve the instruments sound range. These reed ranks are located in the reed chamber, most accordions to this date typically have between 2 and 4 reed ranks on the treble side and between 3 and 5 reed ranks on the bass side. These can usually be selected individually or combined in ways to provide a range of different timbres. More of the top-line expensive accordions may contain 5 or 6 reed blocks on the side for different tunings. How many reeds an accordion has is specified by the number of treble ranks, for example, a 4/5 accordion has 4 reeds on the treble side and 5 on the bass side. A 3/4 accordion has 3 reeds on the sides and 4 on the bass side. Reed ranks are classified by either organ foot-length stops or instrument names, visually, they each have a fixed dot in a three-level icon as displayed in the photo on the right and tables below. These icons display when more than one reed-rank is in use, the pitch of a single bank of reeds is traditionally defined in a similar manner to the organ stops of a pipe organ. A bank that sounds at unison pitch when keys are depressed is called 8′ pitch, alluding to the length of the organ pipe in that rank. For the same reason, a stop that sounds an octave higher is at 4′ pitch, most reed registers are normally in relative octave tuning, but rarely, some instruments have a reed bank tuned to a perfect fifth relative to the 8′ stop. This is an arrangement to stops for a pipe organ. On accordions with two 8′ ranks, one is tuned a fraction of a higher than the other ranks. This causes beats when the two 8′ ranks sound together, creating a distinctive tremolo timbre, tunings where the difference between the two is small and the beats are less noticeable are referred to as dry, whereas those where the difference is large are referred to as wet. Accordions with three 8′ ranks have the third tuned the same distance below the center, doubling the effect of the beats when all three play, register switches select combinations of reed ranks to produce contrasting timbres. Most accordions have automatic or preset switches, similar to selection on an electronic keyboard. These switches control which reed ranks are enabled or disabled, some switches enable a single reed rank, in general, the formula for the number of potential switch combinations is one less than 2 to the number of unique reed blocks that are within the accordion. For example, if an accordion has 3 reed blocks, there are potentially 23-1 =7 combinations, unlike individual organ stops, only one combination is active at any given time. These allow for changes to the register while the right hand is playing the melody.
18. Soprano – A soprano is a type of classical female singing voice and has the highest vocal range of all voice types. The sopranos vocal range is from approximately middle C =261 Hz to high A =880 Hz in choral music, in four-part chorale style harmony, the soprano takes the highest part, which usually encompasses the melody. The soprano voice type is divided into the coloratura, soubrette, lyric, spinto. The lyric soprano is the most common female singing voice, the word soprano comes from the Italian word sopra, as the soprano is the highest pitch human voice, often given to the leading female roles in operas. The term soprano is also based on the Latin word superius which, like soprano, the word superius was especially used in choral and other multi-part vocal music between the 13th and 16th centuries. The soprano has the highest vocal range of all voice types, a soprano and a mezzo-soprano have a similar range, but their tessituras will lie in different parts of that range. The low extreme for sopranos is roughly A3 or B♭3, within opera, the lowest demanded note for sopranos is F3. Often low notes in higher voices will project less, lack timbre, however, rarely is a soprano simply unable to sing a low note in a song within a soprano role. The high extreme, at a minimum, for non-coloratura sopranos is soprano C, a couple of roles have optional E♭6s, as well. In the coloratura repertoire several roles call for E♭6 on up to F6, in rare cases, some coloratura roles go as high as G6 or G♯6, such as Mozarts concert aria Popoli di Tessaglia. Or the title role of Jules Massenets opera Esclarmonde, while not necessarily within the tessitura, a good soprano will be able to sing her top notes full-throated, with timbre and dynamic control. In opera, the tessitura, vocal weight, and timbre of voices, a singers tessitura is where the voice has the best timbre, easy volume, and most comfort. Within the soprano voice type category are five generally recognized subcategories, coloratura soprano, soubrette, lyric soprano, spinto soprano, the coloratura soprano may be a lyric coloratura or a dramatic coloratura. The lyric coloratura soprano is a very agile light voice with a high upper extension capable of fast vocal coloratura, Light coloraturas have a range of approximately middle C to high F with some coloratura sopranos being able to sing somewhat higher or lower. Dramatic coloraturas have a range of approximately low B to high F with some coloratura sopranos being able to sing higher or lower. In classical music and opera, a soubrette soprano refers to both a type and a particular type of opera role. A soubrette voice is light with a bright, sweet timbre, a tessitura in the mid-range, the soubrette voice is not a weak voice, for it must carry over an orchestra without a microphone like all voices in opera. The voice, however, has a lighter weight than other soprano voices with a brighter timbre.
19. Scientific pitch notation – Scientific pitch notation is a method of specifying musical pitch by combining a musical note name and a number identifying the pitchs octave. Although scientific pitch notation was designed as a companion to scientific pitch. Scientific pitch is a pitch standard—a system which defines the specific frequencies of particular pitches, SPN concerns only how pitch names are notated, that is, how they are designated in printed and written text, and does not inherently specify actual frequencies. Thus the use of SPN to distinguish octaves does not depend on the standard used. The octave number increases by 1 upon an ascension from B to C, thus A4 refers to the first A above C4. In describing musical pitches, enharmonic spellings can give rise to anomalies where C♭4 is a lower frequency than B♯3, scientific pitch notation is often used to specify the range of an instrument. It is also translated into staff notation, as needed. For example, a d′ played on a B♭ trumpet is actually a C4 in scientific pitch notation, scientific pitch notation avoids possible confusion between various derivatives of Helmholtz notation which use similar symbols to refer to different notes. For example, c in Helmholtz notation refers to the C below middle C, with scientific pitch notation, middle C is always C4, and C4 is never any note but middle C. C7 is much easier to distinguish visually from C8, than is, for example, c′′′′ from c′′′′′. Although pitch notation is intended to describe audible sounds, it can also be used to specify the frequency of non-audible phenomena, for example, some MIDI software uses C5 to represent middle C. This differentiation is unnecessary and can result in confusion and this creates a linear pitch space in which an octave spans 12 semitones, where each semitone is the distance between adjacent keys of the piano keyboard. Distance in this space corresponds to musical pitch distance in a scale,2 semitones being a whole step,1 semitone being a half step. An equal-tempered semitone can also be subdivided further into 100 cents, each cent is 1⁄100 semitone or 1⁄1200 octave. This measure of pitch allows the expression of microtones not found on standard piano keyboards, the table below gives notation for pitches based on standard piano key frequencies, in other words, standard concert pitch and twelve-tone equal temperament). When a piano is tuned to just intonation, C4 refers to the key on the keyboard. Mathematically, given the number n of semitones above middle C, given the MIDI number m, the frequency is 440 ⋅2 /12 Hz. Scientific pitch is a pitch standard, first proposed in 1713 by French physicist Joseph Sauveur.
20. Contralto – A contralto is a type of classical female singing voice whose vocal range is the lowest female voice type. The contralto voice type is divided into the coloratura, lyric. Contralto is primarily meaningful only in reference to classical and operatic singing, the term contralto is only applied to female singers, men singing in a similar range are called countertenors. A true contralto is often regarded as the rarest of the female voices, some vocal theorists have found that the vocal folds are thicker than those present in other female voices. Studies have used cameras to photograph visible differences which are found in countertenors. The contralto has the lowest vocal range of the voice types. The contralto voice range is between tenor and mezzo-soprano, although tenors and baritones are usually male singers, some women can sing as low and are called female tenors or female baritones. With the exception of very rare female singers, such terms are usually informal, more formal terminology would be contralto profundo and contralto basso or oktavistka but these are not traditionally named among the fach system. Some of the rare contraltos that can sing the female equivalent of tenor and baritone include Zarah Leander, Ruby Helder, within the contralto voice type category are three generally recognized subcategories, coloratura contralto, lyric contralto, and dramatic contralto. Given its deviations from the norms, this voice type is quite rare. The lyric contralto voice is lighter than a dramatic contralto but not capable of the ornamentation and this class of contralto, lighter in timbre than the others, is the most common today and usually ranges from the E below middle C to the second G above middle C. The dramatic contralto is the deepest, darkest, and heaviest contralto voice, usually having a heavier tone, singers in this class are rare. True operatic contraltos are rare, and the operatic literature contains few roles written specifically for them, a common saying among contraltos is that they may play only witches, bitches, or britches. Examples of contralto roles in the operatic repertoire include the following. * indicates a role that may also be sung by a mezzo-soprano, category of contraltos List of operatic contraltos Fach, the German system for classifying voices Voice classification in non-classical music List of contraltos in non-classical music Coffin, Berton. Coloratura, Lyric and Dramatic Soprano, Vol.1, vocal Workouts for the Contemporary Singer. Media related to Contralto vocalists at Wikimedia Commons The dictionary definition of Contralto at Wiktionary.
21. Tenor – Tenor is a type of classical male singing voice whose vocal range is one of the highest of the male voice types. The tenors vocal range lies between C3, the C one octave below middle C, and A4, the A above middle C, in solo work, this range extends up to C5, or tenor high C. The low extreme for tenors is roughly A♭2, at the highest extreme, some tenors can sing up to two Fs above middle C. The tenor voice type is divided into the leggero tenor, lyric tenor, spinto tenor, dramatic tenor, heldentenor. The name tenor derives from the Latin word tenere, which means to hold, in medieval and Renaissance polyphony between about 1250 and 1500, the tenor was the structurally fundamental voice, vocal or instrumental. All other voices were normally calculated in relation to the tenor, until the late 16th century introduction of the contratenor singers, the tenor was usually the highest voice, assuming the role of providing a foundation. It was also in the 18th century that tenor came to signify the male voice that sang such parts, thus, for earlier repertoire, a line marked tenor indicated the parts role, and not the required voice type. Indeed, even as late as the century, partbooks labelled tenor might contain parts for a range of voice types. The vocal range of the tenor is one of the highest of the voice types. Within opera, the lowest note in the tenor repertoire is probably A♭2 in Rossinis rarely performed La donna del lago in the role of Rodrigo di Dhu. Within more frequently performed repertoire, Mime and Herod both call for an A2, a few tenor roles in the standard repertoire call for a tenor C. Some of the few top Cs in the operatic repertoire are either optional or interpolated by tradition. However, the highest demanded note in the standard operatic repertoire is D5. Some operatic roles for tenors require a darker timbre and fewer high notes, in the leggero repertoire, the highest note is F5, therefore, very few tenors can, given the raising of concert pitch since its composition, have this role in their repertoire without transposition. Within the tenor voice type category are seven generally recognized subcategories, leggero tenor, lyric tenor, spinto tenor, dramatic tenor, heldentenor, Mozart tenor, Also known as the tenore di grazia, the leggero tenor is essentially the male equivalent of a lyric coloratura. This voice is light, agile, and capable of executing difficult passages of fioritura, the typical leggero tenor possesses a range spanning from approximately C3 to E♭5, with a few being able to sing up to F5 or higher in full voice. In some cases, the chest register of the leggero tenor may extend below C3, voices of this type are utilized frequently in the operas of Rossini, Donizetti, Bellini and in music dating from the Baroque period. Leggero tenor roles in operas, The lyric tenor is a warm voice with a bright, full timbre that is strong but not heavy.
22. Bass (voice type) – A bass is a type of classical male singing voice and has the lowest vocal range of all voice types. According to The New Grove Dictionary of Opera, a bass is typically classified as having a range extending from around the second E below middle C to the E above middle C. Its tessitura, or comfortable range, is defined by the outermost lines of the bass clef. Categories of bass voices vary according to style and classification system. Italians favour subdividing basses into the basso cantante, basso buffo, the American system identifies the bass-baritone, comic bass, lyric bass, and dramatic bass. The German fach system offers further distinctions, Spielbaß, Schwerer Spielbaß, Charakterbaß, rare is the performer who embodies a single fach without also touching repertoire from another category. Cultural influence and individual variation create a variation in range. Many British composers such as Benjamin Britten have written parts for bass that center far higher than the bass tessitura as implied by the clef, the Harvard Dictionary of Music defines the range as being from the E below low C to middle C. The bass has the lowest vocal range of all voice types, the low extreme for basses is generally C2. However, several extreme bass singers, referred to as basso profondos, within opera, the lowest note in the standard bass repertoire is D2, sung by the character Osmin in Mozarts Die Entführung aus dem Serail, but few roles fall below F2. The high extreme, a few roles in the standard repertoire call for a high F♯ or G. In the operatic repertoire, the highest notes are a G♯4 and, in the aria Fra lombre e glorrori in Handels serenata Aci. Basso cantante is a higher, more lyrical voice and it is produced using a more Italianate vocal production, and possesses a faster vibrato, than its closest Germanic/Anglo-Saxon equivalent, the bass-baritone. Hoher Bass or high bass or often a dramatic bass-baritone, jugendlicher Bass denotes the role of a young man sung by a bass, regardless of the age of the singer. They are usually the blustering antagonist of the hero/heroine or the fool in bel canto operas. English equivalent, dramatic bass Basso profondo is the lowest bass voice type, steane in Voices, Singers & Critics, the basso profondo voice derives from a method of tone-production that eliminates the more Italian quick vibrato. In its place is a kind of tonal solidity, a front, which may nevertheless prove susceptible to the other kind of vibrato. Dramatic basso profondo is a basso profondo voice.
23. Mbira – The mbira is an African musical instrument consisting of a wooden board with attached staggered metal tines, played by holding the instrument in the hands and plucking the tines with the thumbs. The mbira is usually classified as part of the lamellaphone family, members of this broad family of instruments are known by a wide variety of names. In the Anglo world it is called a thumb piano. In Eastern and Southern Africa, there are kinds of mbira, often accompanied by the hosho. The mbira was reported to be used in Okpuje, Nsukka area of the eastern part of Nigeria in the early 1900s. It is a common musical instrument of the Democratic Republic of Congo. It is also often an important instrument to be played at ceremonies, weddings. Commercially produced mbiras were exported from South Africa by ethnomusicologist Hugh Tracey from the 1950s onward, various kinds of plucked idiophones and lamellaphones have existed in Africa for thousands of years. The tines were originally made of bamboo but over the metal keys have been developed. These metal-tined instruments traveled all across the continent and differentiated in their physical form, lamellophones are instruments which have little tines, or lamellae, which are played by plucking. Unlike stringed instruments or air-column instruments like flutes, the overtones of a plucked lamella are inharmonic, the inharmonic overtones are strongest in the attack and die out rather quickly, leaving an almost pure tone. The note arrangement of most mbira, with the notes in the scale ascending on the tines from the center outward in an alternating right-left fashion, Mbira music, like much of the sub-Saharan African music traditions is based on cross-rhythm. The following example is from the part of the traditional mbira piece Nhema Musasa. The left hand plays the bass line, while the right hand plays the upper melody. The composite melody is an embellishment of the 3,2 cross-rhythm, tunings vary from family to family, referring to relative interval relationships and not to absolute pitches. The most common tuning is Nyamaropa, similar to the western Mixolydian mode, the seven tunings that Garikayi uses are, Bangiza, Nyabango, Nhemamusasa, Chakwi, Taireva, Mahororo, and Mavembe. The closest to what is commonly named Nyamaropa is his Nhemamusasa tuning, many players, including griot clans — West African storytellers and musicians — have their own idiosyncratic tunings. Most of the time the instrument is played solo and tuning is not as critical as when playing with other musicians, but the tuning can be changed by adjusting the length of the metal tines inward or outward.
24. Free-bass system – The quint free-bass system invented by Bill Palmer – later patented by Titano, has extra bass rows to extend the existing bass arrangement of the stradella system. The quint version and chromatic-button versions were available in models with a control to switch from standard Stradella to free-bass. A piano-like layout exists that mirrors the right-hand keyboard of a piano accordion and this system is popular in Asian piano accordions, especially in Azeri garmon. Other less popular arrangements also exist, including the Moschino and the Kuehl, by the year 1900, the Stradella bass system had principally reached its current construction with 120 buttons over 6 rows. The problem was solved in the early 1900s by adding three rows of chromatically ordered single notes next to the standard bass, in 1900 in Moscow Russian master Bakanov made a garmon with piano keyboards for both right and left hands. From 1906 the brothers Kiselevs factory in Tula began to produce bayans with the three-row free-bass left keyboard. In the United States, the virtuoso John Serry Sr. designed and it incorporated dual key boards for the soloists left hand based upon two sets of reeds which were tuned in octaves. This provided the soloist with a range of tones which exceeded three and one half octaves. An orchestra was put together, touring Germany to introduce the new concept, the company also supplied sheet music for this new type of accordion. Although these were popular, it was not until later when the instrument became more widespread. In Northern Europe, free-bass accordionist Mogens Ellegaard helped popularize the instrument, in an interview he describes how the free-bass accordion was still practically non-existent in his childhood, but how composers in his native Denmark began to write works for him since 1958. In 1968 he arranged the manufacture of accordions with nothing but free-bass layouts to accommodate newcomers, in some Russian, Canadian and European music conservatoires, free bass accordion is considered a serious instrument for study and there is now a large modern repertoire for it. In the United States, free bass instruments are less well known despite attempts to popularize them by Palmer and Hughes. Included among this group was John Serry, Sr. whose Concerto For Free Bass Accordion was completed during the 1960s.
25. Enharmonic – Thus, the enharmonic spelling of a written note, interval, or chord is an alternative way to write that note, interval, or chord. For example, in equal temperament, the notes C♯. Namely, they are the key on a keyboard, and thus they are identical in pitch, although they have different names and different roles in harmony. In other words, if two notes have the pitch but are represented by different letter names and accidentals, they are enharmonic. Enharmonic intervals are intervals with the sound that are spelled differently…, of course. Enharmonic equivalence is peculiar to post-tonal theory, much music since at least the 18th century, however, exploits enharmonic equivalence for purposes of modulation and this requires that enharmonic equivalents in fact be equivalent. Some key signatures have an enharmonic equivalent that represents a scale identical in sound, the number of sharps and flats of two enharmonically equivalent keys sum to twelve. For example, the key of B major, with 5 sharps, is equivalent to the key of C♭ major with 7 flats. Keys past 7 sharps or flats exist only theoretically and not in practice, the enharmonic keys are six pairs, three major and three minor, B major/C♭ major, G♯ minor/A♭ minor, F♯ major/G♭ major, D♯ minor/E♭ minor, C♯ major/D♭ major and A♯ minor/B♭ minor. There are practically no works composed in keys that require double sharps or double flats in the key signature, in practice, musicians learn and practice 15 major and 15 minor keys, three more than 12 due to the enharmonic spellings. Enharmonic equivalents can also used to improve the readability of a line of music, for example, a sequence of notes is more easily read as ascending or descending if the noteheads are on different positions on the staff. Doing so may reduce the number of accidentals that must be used. Thus, in the key of B♭ major, the sequence B♭-B♮-B♭ is more easily using the enharmonic spelling C♭ instead of B♮. For example the intervals of a sixth on C, on B♯. The most common enharmonic intervals are the fourth and diminished fifth, or tritone. Enharmonic equivalence is not to be confused with octave equivalence, nor are enharmonic intervals to be confused with inverted or compound intervals. In principle, the musical use of the word enharmonic to mean identical tones is correct only in equal temperament. In other tuning systems, however, enharmonic associations can be perceived by listeners, in Pythagorean tuning, all pitches are generated from a series of justly tuned perfect fifths, each with a frequency ratio of 3 to 2.
26. International Standard Book Number – The International Standard Book Number is a unique numeric commercial book identifier. An ISBN is assigned to each edition and variation of a book, for example, an e-book, a paperback and a hardcover edition of the same book would each have a different ISBN. The ISBN is 13 digits long if assigned on or after 1 January 2007, the method of assigning an ISBN is nation-based and varies from country to country, often depending on how large the publishing industry is within a country. The initial ISBN configuration of recognition was generated in 1967 based upon the 9-digit Standard Book Numbering created in 1966, the 10-digit ISBN format was developed by the International Organization for Standardization and was published in 1970 as international standard ISO2108. Occasionally, a book may appear without a printed ISBN if it is printed privately or the author does not follow the usual ISBN procedure, however, this can be rectified later. Another identifier, the International Standard Serial Number, identifies periodical publications such as magazines, the ISBN configuration of recognition was generated in 1967 in the United Kingdom by David Whitaker and in 1968 in the US by Emery Koltay. The 10-digit ISBN format was developed by the International Organization for Standardization and was published in 1970 as international standard ISO2108, the United Kingdom continued to use the 9-digit SBN code until 1974. The ISO on-line facility only refers back to 1978, an SBN may be converted to an ISBN by prefixing the digit 0. For example, the edition of Mr. J. G. Reeder Returns, published by Hodder in 1965, has SBN340013818 -340 indicating the publisher,01381 their serial number. This can be converted to ISBN 0-340-01381-8, the check digit does not need to be re-calculated, since 1 January 2007, ISBNs have contained 13 digits, a format that is compatible with Bookland European Article Number EAN-13s. An ISBN is assigned to each edition and variation of a book, for example, an ebook, a paperback, and a hardcover edition of the same book would each have a different ISBN. The ISBN is 13 digits long if assigned on or after 1 January 2007, a 13-digit ISBN can be separated into its parts, and when this is done it is customary to separate the parts with hyphens or spaces. Separating the parts of a 10-digit ISBN is also done with either hyphens or spaces, figuring out how to correctly separate a given ISBN number is complicated, because most of the parts do not use a fixed number of digits. ISBN issuance is country-specific, in that ISBNs are issued by the ISBN registration agency that is responsible for country or territory regardless of the publication language. Some ISBN registration agencies are based in national libraries or within ministries of culture, in other cases, the ISBN registration service is provided by organisations such as bibliographic data providers that are not government funded. In Canada, ISBNs are issued at no cost with the purpose of encouraging Canadian culture. In the United Kingdom, United States, and some countries, where the service is provided by non-government-funded organisations. Australia, ISBNs are issued by the library services agency Thorpe-Bowker.
27. Bayan (accordion) – The bayan is a type of chromatic button accordion developed in Russia in the early 20th century and named after the 11th-century bard Boyan. The bayan differs from western chromatic button accordions in some details of construction, Reeds are broader, Reeds are often attached in large groups to a common plate, the plates are screwed to the reed block. The melody-side keyboard is attached near the middle of the body, Reeds are generally not tuned with tremolo. Register switches may be operated with the chin on some larger models, the diminished chord row is shifted, so that the diminished G chord is where one would expect the diminished C chord in the Stradella bass system. Converter switches that go from standard preset chords to free bass are common on the larger instruments, newer instruments may feature a register where every tone played actually produces a perfect fifth. The differences in internal construction give the bayan a different tone color from Western instruments, because of their range and purity of tone, bayans are often the instrument of choice for accordion virtuosi who perform classical and contemporary classical music. Two Soviet composers of note who wrote compositions for bayan are Vladislav Zolotaryov, Russian Bayan virtuoso Stas Venglevski has premiered contemporary works by Yehuda Yannay, Anthony Galla-Rini and William Susman. In his work Drang, John Palmer has pushed the possibilities of the bayan to the limits of virtuosity. Ukrainian folk music Russian folk music Cherkasky, L. Ukrainski narodni muzychni instrumenty.
28. Button accordion – A button accordion is a type of accordion on which the melody-side keyboard consists of a series of buttons rather than piano-style keys of a piano accordion. The first button accordion is credited to Franz Walther in 1850, a wide variation in keyboard systems, tuning, action and construction of these instruments exists. The two main examples of this are the chromatic button accordion and the button accordion. The diatonic button accordion generally has two or three rows of buttons, each row tuned to a certain key and they are usually seen in music genres such as Irish, British, Cajun, and Norteño music. Most diatonic accordions are bisonoric, meaning that a button produces two different notes by pushing or pulling the bellows, accidentals are either not included or provided on additional helper buttons. The chromatic button accordion is unisonoric, meaning that each button produces one note and this accordion also has 3-5 rows of buttons, but unlike the diatonic button accordion, it can be freely played in any key, usually with identical fingering patterns. This type of accordion is very popular in French music, there are four main components of any accordion, the reeds, bellows, buttons or keys, and the switches. Lastly, the control the timbre or voice of the instrument. List of All Ireland button accordion champions Garmon, Bayan Melodeon Piano accordion Squeezebox Steirische Harmonika Bandoneon.
29. Cajun accordion – A Cajun accordion also known as a squeezebox is single-row diatonic button accordion used for playing Cajun music. Many different accordions were developed in Europe throughout the 19th century, accordions were brought to Acadiana in the 1890s and became popular by the early 1900s, eventually becoming a staple of Cajun music. Many of the German factories producing diatonic accordions for the United States market were destroyed during World War II, since the end of World War II, there has been a surge in the number of Cajun accordion makers in Louisiana, as well as several in Texas. The Cajun accordion is generally defined as a diatonic accordion, as compared to multiple-row instruments commonly used in Irish, Italian, polka. The Cajun accordion has multiple reeds for every button and the number of reeds sounding is controlled by four stops or knobs. The standard amount of buttons is ten, with a button each in the left hand for the root note and chord as well as the dominant fifth ditto. The root is played on the push and the fifth is played on the pull of the bellows, Louisiana constructed accordions are usually built in small backyard shops like Marc Savoys Acadian brand and Larry Millers Bon Cajun brand. Clarence junior Martin of Lafayette Louisiana is a Master Craftsman who also builds accordions in his shop, the most common tuning utilized is the key of C, although the key of D is also relatively common. Some rarer accordions are constructed to in the key of B flat, Cajun accordions are traditionally tuned to a Just Intonation. Although the instrument is called a Cajun accordion, both zydeco and creole musicians play the Cajun accordion with a zydeco and creole sound respectively, each musician below is considered important in influencing accordion technique and image. You Can Play Cajun Accordion, Designed For Beginners, Cajun Music a Reflection of a People.
30. Chromatic button accordion – A chromatic button accordion is a type of button accordion where the melody-side keyboard consists of rows of buttons arranged chromatically. The bass-side keyboard is usually the Stradella system or one of the various free-bass systems, included among chromatic button accordions are the Russian bayan and Schrammel accordion. There can be 3 to 5 rows of treble buttons. In a 5 row chromatic, two additional rows repeat the first 2 rows to facilitate options in fingering, comparing the layout to the piano accordion, the advantages of a chromatic button accordion are the greater range and better fingering options. On the other hand, some fingering positions require twisting of the wrist, throughout the former Yugoslavia a 6-row chromatic button layout is used based on the B system. It is referred to as dugmetara, bandoneon Diatonic button accordion Piano accordion Isomorphic keyboard.
31. Diatonic button accordion – A melodeon or diatonic button accordion is a member of the free-reed aerophone family of musical instruments. It is a type of accordion on which the melody-side keyboard contains one or more rows of buttons. The buttons on the keyboard are most commonly arranged in pairs, with one button of a pair sounding the fundamental of a chord. Diatonic button accordions are popular in countries, and used mainly for playing popular music and traditional folk music. Various terms for the button accordion are used in different parts of the English-speaking world. In Britain and Australia, the melodeon is commonly used, regardless of whether the instrument has one. In Ireland, melodeon is reserved for instruments with a row of melody buttons. In North America, both one-row and multi-row instruments are simply called accordions. To simplify matters and avoid ambiguity, in the remainder of this article the term diatonic button accordion, or DBA, France, the term accordéon diatonique is used, mélodéon is sometimes used for one-row instruments. In Italy, a button accordion is a fisarmonica diatonica or organetto. The usual German terms are Handharmonika or Knopfakkordeon, the Dutch term is trekharmonika and trekzak. In Portugal it is called concertina, not to be confused with the English concertina, the Slovenian term is diatonična harmonika and more frequently frajtonarca The Brazilian Portuguese term is Acordeão Diatônico or Gaita-ponto. The Basque term is akordeoi diatonikoa, soinu txikia or trikitixa, the following definitions will assist understanding of this article. In this respect, these instruments operate like a harmonica, other single-action or bisonoric members of the free-reed family include the German concertina, the Anglo-German concertina, the bandoneon, and the Chemnitzer concertina. There are varieties of diatonic button accordion that are double-action, such as the garmon, because each button produces two notes, the diatonic scale can be covered in four buttons on a melody row. When the bellows are pressed, every button produces a note from the triad of the home key, in this case. The remaining notes of the scale are produced when the bellows are drawn or pulled. Since there are seven notes in the scale, and since each button produces two notes, the note pairings on the buttons change in each octave.
32. Flutina – The flutina is an early precursor to the diatonic button accordion, having one or two rows of treble buttons, which are configured to have the tonic of the scale, on the draw of the bellows. There is usually no bass keyboard, the left hand operates an air valve, a rocker switch, called a bascule dharmonie is in the front of the keyboard. g. Tonic notes C/g, and Dominant G/d, without any major or minor thirds, many of these Flutina accordions were imported into the United States and were common photographers studio props. This imparted a touch of culture to the sitter, hence the many tintype, ambrotype, etc. images of men and women, with their hands poised over Flutinas, many of the images date from the 1850s through the American Civil War period. The internal construction of the flutina resembles the English Wheatstone concertina more than the banks used in regular accordion construction. Thus, it has a concertina-like sound, underneath the pallet/keyboard face, there is a rectangular, wooden board, reed pan, with reed chambers, made with airtight, leather covered, thin wooden dividers. These dividers are between the reeds, for the diatonic scale notes, the brass reed tongues are mounted on reed shoes, with each tongue nailed on with a single metal pin. These reed shoes are inserted into dovetail-shaped slots into the top side of the pan, the face of the pallet/keyboard actually slides out to reveal the inset reed pan, reminiscent of the construction of a pencil box, or a Japanese puzzle box. The accordion bellows has a short throw, with most instruments having only four folds. Larger versions had 5 to 7 folds in the bellows, the term flutina is actually a more specific English name for a version of the accordéon diatonique, accordéon mélodique, clavier mélodique, or even accordéon romantique. Instrument makers of the 19th century often invented many distinct names for all new versions of the same instrument. In addition, English musical instrument dealers would switch the brass reeds out of the French instruments, then, these English dealers would stamp their own company name inside the instrument, or the stamp of the specific store that was selling the accordion. This was a practice in the 19th century and has continued to be used by many reputable, as well as disreputable. This feature was supposed to give a more flute-like tone to the reeds, whether the French makers ever used the name Flutina is not known. The earliest version was known as the Clavier Melodique, circa 1831 and it was made by Pichenot Jeune, and was probably one of the first accordions capable of playing a melody. The first recorded factory was that of Napoleon Fourneux in Paris, the Accordion of Cyril Demian described in his Austrian patent application, had 5 pallets with 10 chords available. It all depended on which direction the player moved the bellows, one key pressed down had 2 chords, one chord on the press and the other chord, on the draw. Demian also produced some Accordions with a single note per button on the draw or, one of his models, had single notes and two rows of keys, first row the diatonic scale, the second row played the accidentals.
33. Garmon – The garmon is a kind of Russian button accordion, a free-reed wind instrument. Examples of unisonoric type are livenka and Khromka, bisonoric garmons are, e. g. Tula accordion and talyanka The garmon is an important musical instrument for Caucasian and Volgian folk and popular music. Mostly spread and favorite and often used in music Garmon is very popular in Slovenia, 75% performers and ensembles are consisted of young singers. Music is very beautiful, but also modern contemporary played with Garmon, some artists are popular and well-liked in Europe, harmoniousness and musical style of Slovenia differs from Russian Garmon. There are over 300 popular ensembles in Slovenia, one ensemble often consists of singers and accordionman, mostly young. Although reduced and expanded versions are available, the standard arrangement is as follows,25 treble buttons in two rows, Three diatonic octaves plus three accidentals. 25 bass buttons in three rows, Two rows of eight buttons, with notes and chords, one free-bass row. The treble keyboard is arranged so that a scale may be played by alternating between the two rows, the low and high octaves have identical fingering, while the middle octave differs. The three accidental notes are arranged so as to mirror the position of the chords that contain them. One free bass accidental note is included, since the introduction of the accordion from Germany to Russia in the 1830s, Russian masters invented a lot of different types of local garmons during the 19th and 20th centuries. Tula garmon was the first Russian accordion, which began to be manufactured since the 1830s and it had five or seven buttons on the right keyboard, and like in the most Western diatonic accordions it produced different sounds on pull and push. So Tula garmon had two full diatonic octaves, the left bass keyboard had two buttons. Tula garmon was a base for all the Russian diatonic bisonoric garmoshkas Khromka was invented in 1870 in Tula on the design of Russian musician Nikolay Beloborodov. It was a unisonoric diatonic accordion but on the keyboard there was also two or three chromatic buttons, usually g1♯, d2♯, f2♯, so hence the name khromka came as it was virtually chromatic. It became the most popular and widespread button accordion in Russia, Vyatka garmon first appeared on the factories of Vyatka governorate in the middle of the 19th century. It was chromatic unisonoric, it had a keyboard on the right side. Vyatka garmon was a prototype for many different types of accordions in the Volga region. Also after it there were made Russian diatonic and chromatic accordions, Elets royal garmon, Beloborodovs royal garmon, saratov garmon is a diatonic bisonoric garmoshka with a ringing bells which utter sounds after each pressure on the accompaniment keys.
34. Khromka – Khromka is a type of Russian garmon. It is the most widespread variant in Russia and in the former USSR, nearly all Russian garmons made since the mid of the 20th century are khromkas. Since 1830s when first Russian diatonic accordions began being produced in Tula many regional variations appeared, one of them were one-row accordions from Vyatka and from Livny. Their important feature was that it was unisonoric, while all other European types including Russian ones were bisonoric, from those types under the probable influence of two-row bisonoric German accordions the first khromkas were made in 1890s. At first they were one of many types and were competing with other traditional variants, but everything has changed since the October Revolution. The new Soviet government began to follow a policy of education of masses. Garmon, as one of the most widespread folk instrument, was recognized as the most important, the main reasons of the choice of khromka were, unisonoric, simplicity and at the same time great musical potential. This unification and centralisation allowed mass production of garmons, only in two factories of Moscow and Leningrad production of garmons grew from 15,000 in 1930 to 100,000 in 1932. 1959 was the year when nearly half a million khromkas were made in the USSR. But since 1960 their production became falling in the favour of chromatic bayans which then seemed to be more preferable than diatonic khromkas, since the fall of the USSR and the economic collapse of the country most factories have become bankrupt. Today only two still exist in Tula and Shuya, producing just several thousand khromkas a year. In general khromkas are very similar to Western diatonic accordions but in ways they differ greatly. On the right there are 25 buttons in two rows. Each button produces one note either on pressing or drawing the bellows. Khromkas can be set with one to five voices per note, the outer row buttons correspond to the notes on the staff line while the inner row buttons - to the note between the lines. The three top buttons, one of the row and two of the outer row, are accidentals. In professional models with 27 buttons two additional buttons are C# and A#. The buttons 3-25 are notes of a diatonic scale arranged in a zigzag way, the left side differs even more.
35. Piano accordion – A piano accordion is an accordion equipped with a right-hand keyboard similar to a piano or organ. Its acoustic mechanism is more that of an organ than a piano and it may be equipped with any of the available systems for the left-hand manual. In comparison with a keyboard, the keys are more rounded, smaller. These go vertically down the side, pointing inward, toward the bellows, the bass piano accordion is a variation of a piano accordion without bass buttons and with the piano keyboard in an octave lower. They typically have around 3 octaves, the first accordion to feature a piano keyboard was probably the instrument introduced in 1852 by Bouton of Paris. Another source claimed the first piano accordion was introduced in 1854 at the Allegemeine Deutsche Industrieausstellung in Munich and it was showcased by the instrument builder Mattäus Bauer and quickly became a serious competitor to button accordions. The first chromatic piano-like accordions in Russia were built in 1871 by Nikolay Ivanovich Beloborodov, the piano keyboard layout was also promoted by the fame of Vaudeville performers Guido Deiro and his brother Pietro who premiered the instrument on stage, recordings and radio. After the Deiros success, popular chromatic button accordionist Pietro Frosini chose to disguise his accordions buttons to look like a piano keyboard so as not to appear old-fashioned, the piano accordion is also predominant in Italy, New Zealand, Australia and South Africa. List of All-Ireland piano accordion champions Button accordion Bandoneon Squeezebox Piano accordion at DMOZ Piano Accordion - Videos And Links.
36. Steirische Harmonika – The name Steirische Harmonika literally translates from German as Styrian accordion, but the use of the adjective steirische stems from the Viennese dialect, where it refers to folk music in general. There is no connection to the state of Steiermark, or Styria as it is traditionally called in English. The Steirische Harmonika has melody side on the right, and a side on the left. On the melody side, there are three to five rows of buttons where each row has its own key, accordions with five rows are not much used, but most manufacturers do produce quite a few. On the compression of the bellows, the buttons of one row play the tones from the tonic, and on the expansion of the bellows. The button which plays the same tone on both the expansion and compression of the bellows is called the Gleichton, often melodies require playing buttons from different rows because they cannot be decomposed into tones from the tonic and dominant seventh of a given key. For each row on the right hand side, there are two associated buttons on the outer row of the bass side, one for the root. On compression, they play the tonic, and on expansion, the function of the inner row, however, varies by manufacturer. Technical Steirische Accordion playing is very advanced especially in Bavaria, Austria and Slovenia, notes on the Steirische Harmonika are laid out to make it easy to play music with the tonality characteristic of alpine folk music, but make it difficult to play according to modern musical notation. To help aid playing the Steirische Harmonika, the Verlag Helbling publishers patented in 1916 a tablature and it has come to be replaced by a notation called Griffschrift, which was invented by a music teacher from Bärnbach in Styria named Max Rosenzopf. The notation appears similar to modern notation but maps tones to positions on the staff differently, in 1975 Rosenzopf founded the Verlag Preissler publishing company and printed the first book using the Griffschrift to teach reading notes. Now all notes for the Steirische Harmonika are printed using this notation, die Entwicklung der Harmonikaerzeugung in Österreich. Script for key layout and displaying chords Key layouts Questions and a list of builders of Steirischen Harmonikas List with web links - makers of Steirischen Harmonikas.
37. Trikiti – The trikiti, trikitixa or eskusoinu txiki is a two-row Basque diatonic button accordion with right-hand rows keyed a fifth apart and twelve unisonoric bass buttons. In 1890, a trikiti appears in a picture taken in Altsasu, the diatonic button accordion itself was devised in Vienna in 1829, expanding thereafter all over Europe. That playing pattern remained unchanged up to the 1980s, when Kepa Junkera, both performers remain nowadays key figures of trikiti accordion. There have been influences of Tejano artists like Flaco Jiménez and other international players, other renowned players include Alaitz Telletxea, Iñaki Malbadi, Maixa Lizarribar, Xabi Aburruzaga, Iker Goenaga and Carles Belda. Currently traditional style ensembles consist of a pair playing trikiti, tambourine, players typically use a highly ornamented and swift style, along with staccato triplets.
38. Concertina – A concertina is a free-reed musical instrument, like the various accordions and the harmonica. It has a bellows, and buttons typically on both ends of it, when pressed, the buttons travel in the same direction as the bellows, unlike accordion buttons, which travel perpendicularly to the bellows. The concertina was developed in England and Germany, most likely independently, the English version was invented in 1829 by Sir Charles Wheatstone, while Carl Friedrich Uhlig announced the German version five years later, in 1834. Various forms of concertina are used for music, for the traditional musics of Ireland, England, and South Africa. Because the concertina was developed nearly contemporaneously in England and Germany, systems can be divided into English, Anglo-German. To a player proficient in one of these systems, a concertina of a different system may be quite unfamiliar, the English concertina and the Duet concertina bear similarities in history and construction. Both systems generally play a scale, and are unisonoric. Both these English-developed instruments are smaller than German concertinas, and tend to be hexagonal, though occasionally having 8,10, the English system alternates the notes of the scale between two hands, enabling rapid melodies. The Duet system places the low notes on the hand and high on the right. The English concertina is credited to Sir Charles Wheatstone, who first patented such a design in 1829 in Great Britain, Wheatstone was also the first to patent a Duet concertina, in 1844. The German concertinas, developed within Germany itself for its market and diaspora. They are generally bisonoric, use a different style of long plate reeds, unlike the English and Anglo, they sometimes have more than one reed per note, creating a vibrato effect. Various German concertina systems share common features and core button layout. In the United States, particularly in the Midwest where there are many German and Central European descendants, a related variant is the Carlsfelder concertina of C. F. Zimmerman, unveiled in 1849. and at the 1851 London Industrial Exposition. The bandoneon is a German concertina system with an original bisonoric layout devised by Heinrich Band, though the typical bandoneon is bisonoric, the 1920s saw the development of unisonoric variants such as the Ernst Kusserow and Charles Peguri systems, both introduced around 1925. Bandoneons typically have more than one reed per button, dry-tuned with the reeds an octave apart, Ástor Piazzolla was one of the most famous exponents of this instrument. The Anglo or Anglo-German concertina is, historically, a hybrid between the English and German concertinas, the button layouts are generally the same as the original 20-button German concertinas designed by Uhlig in 1834, and in a bisonoric system. Within a few years of its invention, the German concertina was an import in England, Ireland.
39. Anglo concertina – A concertina is a free-reed musical instrument, like the various accordions and the harmonica. It has a bellows, and buttons typically on both ends of it, when pressed, the buttons travel in the same direction as the bellows, unlike accordion buttons, which travel perpendicularly to the bellows. The concertina was developed in England and Germany, most likely independently, the English version was invented in 1829 by Sir Charles Wheatstone, while Carl Friedrich Uhlig announced the German version five years later, in 1834. Various forms of concertina are used for music, for the traditional musics of Ireland, England, and South Africa. Because the concertina was developed nearly contemporaneously in England and Germany, systems can be divided into English, Anglo-German. To a player proficient in one of these systems, a concertina of a different system may be quite unfamiliar, the English concertina and the Duet concertina bear similarities in history and construction. Both systems generally play a scale, and are unisonoric. Both these English-developed instruments are smaller than German concertinas, and tend to be hexagonal, though occasionally having 8,10, the English system alternates the notes of the scale between two hands, enabling rapid melodies. The Duet system places the low notes on the hand and high on the right. The English concertina is credited to Sir Charles Wheatstone, who first patented such a design in 1829 in Great Britain, Wheatstone was also the first to patent a Duet concertina, in 1844. The German concertinas, developed within Germany itself for its market and diaspora. They are generally bisonoric, use a different style of long plate reeds, unlike the English and Anglo, they sometimes have more than one reed per note, creating a vibrato effect. Various German concertina systems share common features and core button layout. In the United States, particularly in the Midwest where there are many German and Central European descendants, a related variant is the Carlsfelder concertina of C. F. Zimmerman, unveiled in 1849. and at the 1851 London Industrial Exposition. The bandoneon is a German concertina system with an original bisonoric layout devised by Heinrich Band, though the typical bandoneon is bisonoric, the 1920s saw the development of unisonoric variants such as the Ernst Kusserow and Charles Peguri systems, both introduced around 1925. Bandoneons typically have more than one reed per button, dry-tuned with the reeds an octave apart, Ástor Piazzolla was one of the most famous exponents of this instrument. The Anglo or Anglo-German concertina is, historically, a hybrid between the English and German concertinas, the button layouts are generally the same as the original 20-button German concertinas designed by Uhlig in 1834, and in a bisonoric system. Within a few years of its invention, the German concertina was an import in England, Ireland.
40. Bandoneon – The bandoneon is a type of concertina particularly popular in Argentina, Uruguay, and Lithuania. It is an instrument in most tango ensembles from the traditional orquesta típica of the 1910s onwards. Around 1870, German and Italian emigrants and sailors brought the instrument to Argentina, where it was adopted into the nascent genre of tango music, by 1910 bandoneons were being produced expressly for the Argentine and Uruguayan markets, with 25,000 shipping to Argentina in 1930 alone. However, declining popularity and the disruption of German manufacturing in World War II led to an end of bandoneon mass-production, original instruments are displayed in German museums, such as the Bandoneon Museum der Familie Preuss in Lichtenberg and the collection of the family Steinhart in Kirchzarten, Freiburg. Bandoneons were historically produced primarily in Germany, and were never produced in Argentina itself despite their popularity, as a result, by the 2000s, vintage bandoneons had become rare and expensive, limiting prospective bandeonists. As a concertina, the buttons travel parallel with the bellows. Unlike a piano accordion, but similar to a melodeon or Anglo concertina, a given bandoneon button produces different notes on the push and this means that each keyboard actually has two layouts, one for opening notes, and one for closing notes. Since the right and left hand layouts are different, a musician must learn four different keyboard layouts to play the instrument. These include the Ernst Kusserow and Charles Peguri systems, both introduced around 1925, the Argentinian bandleader, composer, arranger, and tango performer Aníbal Troilo was a leading 20th century proponent of the bandoneon. Ástor Piazzolla played and arranged in Troilos orquesta from 1939 to 1944, piazzollas Fugata from 1969 showcases the instrument, which plays the initial fugue subject on the 1st statement, then moves on to the outright tango after the introduction.
41. Chemnitzer concertina – A Chemnitzer concertina is a musical instrument of the hand-held bellows-driven free-reed category, sometimes called squeezeboxes. The Chemnitzer concertina is most closely related to the bandoneón, more distantly to the other concertinas and it is roughly square in cross-section, with the keyboards consisting of cylindrical buttons on each end arranged in curving rows. A strap, usually of leather, is fitted at each end to hold the players palm against the instrument for playing. Compare to the English concertina where the thumb holds a strap, the finger is held on a rest. The instrument is bisonoric, meaning that each button corresponds to two notes, one when the bellows is compressed, and another when it is expanded, on most instruments, two or more reeds sound for each note. The tones produced are either in octaves, unison, or in some combination thereof and this arrangement resembles that of the Russian accordion, the bayan. Uhligs patent dates to 1834, and while Wheatstone patented a related instrument, uhligs first instrument had five buttons on each side, but the keyboard was quickly expanded and as it did so, it diverged into different lineages. Heinrich Bands was sold under the name Bandonion, strictly speaking, the Chemnitzer layout is one of 38,39,51 or 52 buttons, or one of the American expanded versions of the 52-button system. Especially in English-speaking countries, the term Chemnitzer is frequently applied to any of the square German concertinas that are not bandonions. In the United States, especially in the Midwest, where other types are not as well known as the Chemnitzer concertina. Otto Schlicht patented an action in 1932 which improved the method of the action levers. However the instrument, especially in its 52-button and larger versions, is capable of performing in musical contexts. Bandonion und Konzertina, Ein Beitrag zur Darstellung des Instrumententyps, ISBN 3-87397-070-8 United States Concertina Association Czech Area Concertina Club.
42. English concertina – The English concertina is a member of the concertina family of free-reed musical instruments. Invented in England in 1829, it was the first instrument of what would become the concertina family. It is a chromatic instrument, having buttons in a rectangular arrangement of four staggered rows, its buttons are unisonoric. It differs from other concertinas in that the scale is divided evenly between the two hands, such that playing a scale involves both hands alternately playing each note in sequence. The invention of the instrument is credited to Sir Charles Wheatstone, his earliest patent of an instrument was granted 19 December 1829. The English concertina was initially used for playing music, virtuosic solos. By the 1860s-1870s, the English concertina grew more popular in the music hall tradition, in the English Folk Revival of the 1960s, though the English concertina had been more an art music instrument, it became popular with British folk musicians. Alf Edwards was a regular accompanist to both A L Lloyd and Ewan MacColl, and taught the instrument to Peggy Seeger, later in the 1960s Alistair Anderson became known for interpreting the traditional dance music of Britain, particularly that of Northumberland. The English concertina found limited use in Irish traditional music, though to a lesser degree than the Anglo concertina. Rick Epping plays Irish music on the harmonica whilst accompanying himself on English concertina, although the Boeremusiek of the Afrikaner people of South Africa was predominantly played on the Anglo concertina, English system players were also recorded. References in Boeremusiek to the 4-ry concertina refer to the English system, boer musicians used the actual word English to mean Anglo system instruments made by English firms such as Lachenal & Co. and Wheatstone. While it was primarily the bandoneon concertina which achieved success in South America and it is theorized the instrument may have been brought there by foreign technicians working on the Bolivian Railway or the Patiño mines. The English concertina is typically held by placing the thumbs through thumb straps, many players also intermittently or continuously use the little finger to play notes, thus playing with all four fingers and relying upon the thumb straps to support the instrument. Heavier and larger instruments were fitted with wrist straps and/or a neck sling to further support the weight of the instrument. The two innermost rows of the layout constitute a diatonic C major scale, distributed alternately between the two sides of the instrument, thus in a given range, C-E-G-B-d is on one side, D-F-A-c-e on the other. The two outer rows consist of the sharps and flats required to complete the chromatic scale and this distribution of scale notes between sides facilitates rapid melodic play. English-system treble and tenor-treble concertinas usually span 3 1/2 or 4 octaves, baritones are similar, but transpose down one octave. Bass concertinas transpose two octaves down, and piccolo concertinas play one octave up, tenor, baritone and bass concertinas often have an air valve in the position that would otherwise be occupied by the instruments highest note.

Stradella bass system.
The Stradella Bass System (sometimes called standard bass ) is a buttonboard layout equipped on the bass side of many accordions, which uses columns of buttons arranged in a circle of fifths; this places the principal major chords of a key (I, IV and V) in three adjacent columns. In a typical layout, as pictured, each column contains, in order:
The following chart shows a common 120-button Stradella layout.
Each bass note, and each pitch in a chord, is usually sounded simultaneously in multiple octaves. Larger accordions offer some control over the voicing with . [2]
In modern accordions, each chord button sounds three individual pitches. Early accordions sounded four pitches for the seventh and diminished chords. Modern Stradella systems omit the 5th from these two chords, [2] allowing for more versatility. For example, an augmented seventh chord can be created by using the dominant seventh chord button and adding an augmented 5th from the right-hand manual or from one of the bass or counterbass buttons.
In most Russian layouts the diminished seventh chord row is moved by one button, so that the C diminished seventh chord is where the F diminished seventh chord would be in a standard Stradella layout; this is done in order to achieve a better reachability with the forefinger.
As the buttons are on the front face and cannot be seen by the player, an aid to navigation is provided by a small depression, hole or bump on the central C button in the root row, often supplemented by similar or different tactile marks on other selected root-bass buttons, such as the A ♭ and E four buttons away in either direction. [3]
When naming chord buttons, major chords are often suffixed with "M", for example "CM", to distinguish them from bass notes.
In staff notation, notes below the center of the bass-clef staff are bass notes, and notes above the center of the staff usually indicate chord buttons, labeled as necessary with "M", "m", "7", or "d" or "dim". (Repeated chords are usually only labeled on the first instance.)
Within this convention, the written octave for bass notes is arbitrary, as the Stradella system does not have buttons for higher and lower octaves.
As sounded, with one possible octave voicing:
Bass notes to be played on the major third (counterbass) row are indicated by repurposed "tenuto" lines below the notes (as in the E bass note in the example above), or underlined note names or numbers.
Single-note bass lines are often labeled "B. S." (bass solo or bassi soli ), especially when they extend above the middle of the staff.
As with the piano, fingers are numbered 2 to 5, starting with the index finger, mirroring right-hand fingering. As a rule, the thumb, numbered 1, is not used.
Patterns can be played identically in any desired key, changing only the starting position; this is because unlike a piano keyboard, the Stradella layout does not distinguish between "white notes" and "black notes". Layouts with 16 or more columns are sufficient to play in any of the 12 keys of the circle of fifths.
Bass and chords.
4–3 is a recommended fingering for a bass note and its corresponding major chord (e. g. C–CM–C–CM). For alternate bass with the root and fifth, 4–3–2–3 can be used for major chords (e. g. C–CM–G–CM), 4–2–3–2 for minor and other types of chords (e. g. C–C7–G–C7).
Scales, runs, and other bass lines are played on the bass note buttons, the row or rows closest to the bellows (root row, optional thirds row, optional minor thirds row).
Major scales.
The major scale can be fingered without stretching the hand, playing in any key as r4 r2 t 4 r5 / r3 t 5 t 3 r4 (r = root row, t = thirds row) or, with minimal movement of the index finger, r3 r2 t 3 r4 / r2 t 4 t 2 r3.
Minor scales.
A recommended fingering for harmonic minor:
Melodic minor (different ascending and descending):
Register switches.
Larger and more expensive accordions may have as many as seven register switches on the bass side, controlling which reed ranks play and thus the octaves and voicing of the bass notes and chords, similar in concept to the treble register switches on the keyboard side. [2] Smaller or simpler accordions may have no bass switches, or a single switch that toggles between two settings.
With the soprano or alto register selected, bass buttons exactly duplicate individual notes from the chords, without the usual added lower (tenor and bass) octaves.
An accordion with two register switches on the bass side might provide tenor and master registers, while accordions with additional switches might have larger subsets. [3]